title: Презентация на тему: ЖИВОПИСЬ И МИФЫ

text:
Подготовила учитель Крамаренко Н.В.
ЖИВОПИСЬ И МИФЫ
        Достижения древних греков удивительны во всех областях, и на них основана вся европейская цивилизация. Античность сопровождает европейское человечество на всем его пути. «Мы видим глазами греков и говорим их оборотами речи», – сказал Якоб Буркхардт.
      Одним из самых ранних и существеннейших элементов античной культуры является миф. Миф (от греч. muthos - слово, сказание) - это повествование о происхождении мира, богов, героев, различных народов, событиях естественной и общественной истории, которые возникли в глубокой древности и в устной форме передавались из поколения в поколение.
Что такое миф?
   Греческие мифы глубоко проникли в образ мыслей современного человека, и мы порой не замечаем, как говорим о паническом страхе, об олимпийском спокойствии, бесстрашного человека сравниваем с Гераклом, а решительную женщину – с амазонкой. А выражения троянский конь, яблоко раздора, нить Ариадны и многие другие  понятны практически всем.
   Мифы веками накапливали опыт народов, их представления о добре и зле, о достойном и недостойном поведении. Передаваясь из поколения в поколение, они учили людей тому, как следует жить.
    В современной жизни мы очень часто сталкиваемся с названиями  и именами  из древнегреческой мифологии. Мифы Древней Греции много веков вдохновляют поэтов, художников, скульпторов и композиторов всего мира, а значит без знания сюжетов невозможно понять многие произведения искусства.

Клод Лоррен.  Пейзаж с Аполлоном и Меркурием. Размеры: 55 x 45 смМатериал, техника: Холст, маслоДата создания: Около 1645Месторасположение: Франция и Италия, Рим, Галерея Дориа Памфили
Информация о художнике.
Имя при рождении:		Клод Желле
Дата рождения:	           		1600 год
Место рождения:	           		Шамань, Лотарингия
Дата смерти:	          		 23 ноября 1682
Место смерти:	           		Рим, Италия
Гражданство:	          		Франция
Жанр:	                      		художник-пейзажист
Художественное направление : 	Классицизм
    Клод Лорен родился в 1600 году в крестьянской семье. Рано остался сиротой. Получив начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве во Фрайбурге, в Брайсгау, в 1613—14 гг. он отправился вместе с одним из своих родственников в Италию. Работая слугой в доме художника-пейзажиста Агостино Тасси, усвоил некоторые технические приёмы и навыки. Вначале он выполнял заказные декоративные работы, т. н. «пейзажные фрески», но позже ему удалось стать профессиональным «пейзажистом» и сосредоточиться на станковых работах. Кроме того, Лоррен был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись.
    Миф повествует, что в наказание за убийство киклопов, ковавших отцу Аполлона Зевсу молнии, Зевс сделал своего сына пастухом. Аполлон должен был пасти стадо царя Адмета, но небрежно отнесся к порученному делу, и ловкий Меркурий (Гермес) украл у него стадо. Впрочем, Зевс приказал Меркурию вернуть похищенных коров, после чего позволил Аполлону вновь занять свое место среди богов.
Миф.
        Композиция картины построена так, что увлекает взгляд зрителя вглубь картины. Для этого изогнутая линия берега уходит вдаль. На заднем плане в предрассветной дымке виден красивый идиллический пейзаж с римским акведуком. Колорит картины типичен для позднего Лоррена и заключается в преобладании холодных тонов. Расположение с обеих сторон картины на переднем плане деревьев создают эффект некоторой театральности происходящего, герои мифа предстают как действующие лица спектакля, где главное действующее лицо – природа, во всем ее великолепии. На эту мысль нас наводит масштаб изображенных фигур и ракурс их постановки (в пол оборота к зрителю).
Анализ картины.
    Согласно записи, сделанной Лорреном в его "Книге истины", эта картина была написана для "Франческа Аберини". По всей видимости, это описка, и работу заказал художнику либо аристократ Франческа Алъберини, либо богатый римлянин Франческа Арберини. "Пейзаж с Аполлоном и Меркурием" с 1750 года хранится в Хоулкхэм Холле. Именно тогда ее купил владелец Хоулкхэм Холла Томас Коук, первый граф Лейстер.
История создания картины.
Уильям Этти «Геро и Леандр»1828-1829. Частная коллекция.
     Этти Уильям (William Etty) (1787-1849), английский живописец периода романтизма, яркий представитель натурализма и исполнения обнаженной натуры Уильям Этти занимает достойное место среди английских художников. В чувстве и навыке колориста художнику не было равных в Англии в первой половине 19 века.
         Родился в Йорке 10 марта 1787 года. Его отец был мельником и пекарем хлеба. Будущий живописец в возрасте одиннадцати с половиной лет был вынужден оставить отеческую крышу; по настоянию отца он был определен учеником в типографию. После семи лет ученических испытаний и унылой работы в типографии Этти уехал в Лондон.
          Помощь старшего брата и покровительство богатого дяди, помогли становлению Уильяма Этти, непосредственно как художника. Этти начал свое обучение, создавая наброски пейзажей, копируя различные изображения, рисунки печатных изданий и прочие иллюстрации; все это было первой художественной школой Уильяма Этти. В Смитфилде Этти сделал копию старинной картины «Купидон и Психея», которая стала известна и благодаря которой Этти был принят в 1807 году студентом академической школы в Сомерсет Хаус. Этти был одержим изображением обнаженной натуры, которую он штудировал и писал на протяжении всей своей творческой жизни. Его полотна часто вызывают в памяти чувственные модели и насыщенный колорит произведений Тициана и Питера Пауля Рубенса. Этти часто обращался за вдохновением к классической мифологии и аллегорическим сюжетам. Его работами восхищались Эжен Делакруа и другие живописцы-романтики.
Информация о художнике.
        Леандр — юноша из Абидоса в Троаде, который полюбил Геро, жрицу Афродиты, жившую в Сесте, расположенном на другом берегу пролива Геллеспонт. Каждую ночь Геро ждала, когда он переплывет пролив и, чтобы ему было светлее, зажигала огонь на башне. Леандр плыл на маяк и добирался до берега. Однажды огонь погас и Леандр не смог доплыть. Утром его тело прибило к ногам Геро. Увидев его, Геро в отчаянии бросилась в море с башни. «Башню Геро» позднее показывали в Сесте.
Сюжет мифа.
      Герои показаны в момент последнего трагического объятия, когда жизнь уже покинула их. На фоне темного моря и грозовых облаков выделяются обнаженные тела, написанные светящимися чувственными тонами. Черные волосы и одеяние Геро как бы сливаются с ночной тенью. Несмотря на трагичность сюжета композиция картины скорее как динамичная, об этом свидетельствует диагональное расположение фигур на первом плане, линия набегающих волн и взбудораженное небо. Сочетание в колорите картины  красно- коричневых, светлых, темно-синих и черных тонов, усиливает трагическое ощущение произошедшего.
Анализ картины.
Валентин Серов. Похищение Европы. 1910. Холст, масло.71 х 98. Третьяковская Галерея, Москва, Россия.
     Валентин Александрович Серов, 1865-1911 гг. русский художник (живописец и график), представитель русского импрессионизма и модерна. Родился в Петербурге 7 (19) января 1865 г. в семье композитора А.Н. Серова и пианистки В.С. Серовой (урожденной Бергман). В 1874-1875 - 1878-1882 брал частные уроки у И.Е. Репина, оказавшего на него особое влияние; посещал также занятия в петербургской Академии художеств (1880-1885). Серов чутко усвоил и опыт современного ему зарубежного искусства, и уроки мастеров Возрождения и барокко (в частности, Д. Веласкеса). Жил в Петербурге и Москве. Много путешествовал по России и Западной Европе, в 1907 г. посетил Грецию. Наезжал в Абрамцево. Был членом «Товарищества передвижников» и объединения «Мир искусства».
Информация о художнике.
     Европа была дочерью финикийского царя Агенора. Влюбившийся в нее Зевс явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами (обрывок гирлянды можно видеть и в серовской картине). Наконец, Европа решилась сесть на спину быка-Зевса - тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса и впоследствии родила ему трех сыновей-героев.
Миф.
   «Полотно "Похищение Европы" решено декоративно; оно написано большими цветовыми плоскостями, которые ритмически согласованы живой, гибкой линией, приводящей к гармонии объем и плоскость. Серов делает высокую линию горизонта, что позволяет ему трактовать пространство как плоскость. Безбрежное море написано условно, и в то же время мастер добивается ощущения толщи бесконечной глубины воды, которую разрезает по диагонали полотна мощная фигура быка - Зевса. По контрасту с Зевсом фигурка Европы кажется маленькой и беспомощной, она словно робко покорилась судьбе. Ее лицо напоминает лицо коры времен греческой архаики; оно словно маска с невидящим взглядом. В тоже время фигура Европы дана в сложном ракурсе и живом, выразительном движении, словно все ее силы направлены на то, чтобы удержаться на спине быка.»
 «Неожиданно живой и осмысленный взгляд быка-Зевса подчеркивает застылость неподвижного лица-лика Европы - маски архаической коры, своего рода символа всего греческого искусства. Одно из значений, имени "Европа" - "широкоглазая", что удивительно созвучно тому изображению лица Европы, которое дает Серов».
  «Серов первый из художников, изображавших миф о похищении Европы, отступил от первоисточника, рассказывающего о белом быке с золотыми рогами - коричневый бык напоминает о росписях краснофигурных ваз».
Анализ картины.
Питер Брейгель. Пейзаж с падением Икара.1555-58, холст, масло, 74 x 112 см. Музей изящных искусств (Musйes Royaux des Beaux-Arts), Брюссель
     Питер Брейгель Старший (1525—1569)- фламандский живописец и график, самый известный и значительный из носивших эту фамилию художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким. Из всех сохранившихся картин Брейгеля около трети находятся в Музее истории искусства в Вене. В музеях России произведения Брейгеля отсутствуют. Некоторые известные картины: «Самоубийство Саула», «Обращение Савла», Вена  «Перепись в Вифлееме», «Избиение младенцев», «Морской бой в гавани Неаполя», «Падение Икара».
Информация о художнике.
     Согласно древней легенде, строитель Дедал появился на острове Крит после того, как у себя на родине, в Аттике, убил своего племянника, которому завидовал. Последний был очень талантлив и сумел создать нужные человечеству инструменты: пилу, циркуль, гончарный круг. На Крите Дедал построил для царя Миноса огромный дворец с подземными лабиринтами. В лабиринте жило страшное чудовище - Минотавр. Жители Афин вынуждены были платить Миносу дань - посылать для прожорливого Минотавра юношей и девушек. Это длилось до тех пор, пока Тезей, попавший в лабиринт, не убил Минотавра. Благодаря Дедалу герой бежал с Крита. Разгневанный Минос повелел заточить Дедала, но тот сделал для себя и своего сына Икара крылья из перьев птиц. С помощью крыльев отец и сын покинули остров. Дедал предупреждал сына, чтобы он не взлетал слишком высоко, но Икар не послушался отца и взмыл вверх, к самому солнцу. От жара солнечных лучей воск, скреплявший перья, растаял, и юноша, лишенный крыльев, упал в море и утонул.
Миф.
   «При первом взгляде на картину у зрителя возникает вопрос: «Почему она так называется». Ведь перед зрителем разворачиваются картины мирной трудовой жизни: вот пахарь идет бороздой, следом за своей лошадкой, чуть в стороне от него пастухи среди овечьего стада обсуждают какие-то свои заботы, над морской гладью развеваются паруса поглощены работой и красотой окружающей их природы, перед лицом которой гибель отдельного человека - лишь незначительный эпизод. Смерть отважного юноши не может остановить движения жизни».
          В XVI веке легенду о Икаре воспринимали как суровое предупреждение гордецам и недальновидным выскочкам, пренебрегающим своим предназначением. Конечно, Брейгель знал и античный источник сказания - "Метаморфозы" древнеримского поэта Овидия, где о пролетающих по небу Дедале и Икаре говорится следующее: Каждый, увидевший их, рыбак ли с дрожащей удою, Или с дубиной пастух, иль пахарь, на плуг приналегший, - Все столбенели и их, проносящихся вольно по небу, За неземных принимали богов.             Художник ввел в свою картину фигуры пастуха, пахаря и рыболова, но придал этим образам совсем иной смысл. Они Икара не видят или не хотят видеть: например, рыбак невозмутимо продолжает удить, хотя юноша и упал в воду прямо у него на глазах. А пастух смотрит в небо, хотя его овцы на краю обрыва, и пахарь, и рыболов – все они заняты своим делом. "Ни один плуг не остановится, когда кто-то умирает" - так говорит нидерландская пословица.
           Картина полна покоя и умиротворения.  Известный греческий миф Брейгель трактует весьма неожиданно. Человеческая нога, исчезающая в море, - вот и все, что осталось от бесстрашного героя. Смерти Икара не заметил никто: ни пастух, ни крестьянин на поле, ни рыбак на берегу. Автор картины сделал всё возможное, чтобы зрители в последнюю очередь увидели так называемое падение Икара. Две яркие точки притягивают наш взгляд- это рубаха крестьянина и жёлтое солнце над водной гладью. После этого мы начинаем обращать внимание на мелкие светлые детали - белых овец, белые горы, корабль с белыми парусами, и… барахтающегося человечка рядом с этим кораблём. Главный герой картины – солнце, а человек –песчинка, промелькнувшая в его лучах.
Анализ картины.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры.1484-1486. Холст, темпера. 278,5 х 172,5. Уффици, Флоренция
фрагменты
      Са́ндро Боттиче́лли- Родился в семье зажиточного горожанина Мариано ди Ванни Филипепи. Получил хорошее образование. Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую .

Информация о художнике.
      Существуют разные сказания о происхождении Афродиты.
     Классическая Афродита возникла обнаженной из воздушной морской раковины вблизи Кипра — отсюда прозвище «Киприда» — и на раковине добралась до берега. Оры в золотых диадемах увенчали её золотым венцом, украсили золотым ожерельем и серьгами, а боги дивились её прелести и возгорались желанием взять её в жены.

Миф.
    В «Рождении Венеры» Сандро Боттичелли изобразил образ Афродиты Урании - небесной Венеры, дочери Урана, рожденной из моря без матери. На картине запечатлено не само рождение, а  последовавший за тем момент, когда гонимая дыханием гениев воздуха, Венера достигает берега. Кроме Венеры на картине изображена нимфа Ора, являющаяся воплощением природы, она готова прикрыть Венеру плащом. Ора - одна из трех Гор, нимф времен года. Эта Гора, судя по покрывающим ее одежду цветам, покровительствует весне, тому времени года, когда могущество Венеры достигает вершины. Возможно, на эту картину художника вдохновил один из гомеровских гимнов, в котором описывается, как Зефир, бог западного ветра, принес на остров Кипр Венеру, где ее приняли Горы.
   В позе Венеры можно отметить влияние классической греческой скульптуры (поза, опора фигуры на одну ногу, жест рукой). Судя по всему,  пропорции тела основаны на каноне гармонии и красоты, разработанном ещё Поликлетом и Праксителем.
Композиция картины благодаря фронтальному изображению Венеры в центре, симметрично расположенным фигурам справа и слева можно определить как статичную. Такая композиция делает картину спокойной и величественной. А линии покрывала Оры и накидки Зефира, линии их тел, волос Венеры, падающие цветы и ритм волн, наполняют картину внутренним движением, движением воздуха. Колорит картины можно определить как мягкий, ласковый, даже для плаща Оры художником выбран приглушенный красный тон, позволяющий поставить акцент, но не вызывающий раздражения.
    «Среди новшеств Боттичелли важным было использование холста, а не доски, для произведения столь крупного размера. Он добавлял минимальное количество жира к пигментам, благодаря чему холст в течение долгого времени оставался прочным и эластичным, а краска не трескалась. Было также установлено, что Боттичелли нанёс на картину защитный слой из яичного желтка, благодаря чему «Рождение Венеры» хорошо сохранилось».

Анализ картины.
Уильям Уотерхаус. Пандора, открывающая ларец. 1896 год. Находится в частной коллекции
    Джон Уильям Уотерхаус (John William Waterhouse), английский художник.
Джон Уильям Уотерхаус родился в 1849 в Риме, в семье художника. В 1850-х семья вернулась в Англию. Перед поступлением в Королевскию академическую школу в 1870 Уотерхаус помогал отцу в его студии.
    Довольно часто его относят к прерафаэлитам, хотя он формально не принадлежал к данному течению. Уотерхаус поддерживал идею прерафаэлитов в заимствовании сюжетов из поэзии и мифологии. Он с особой точностью передавал драматизм момента, а также демонстрировал блестящее владение композицией и живописной техникой. Своей популярностью художник обязан очарованию и шарму его задумчивых моделей.
    Работы Уотерхауса хвалились критиками, его репутация была высока, и ему подражали молодые художники. За свою жизнь он написал примерно 200 полотен на мифологические, исторические и литературные темы.
Он относится к тем немногочисленным художникам, которые при жизни приобрели известность и могли жить в достатке благодаря своим работам.
Информация о художнике.
     Пандора - греч. "всем одаренная". Пандора была первой женщиной, созданной по воле Зевса Гефестом в наказание за то, что Прометей похитил с неба огонь для людей. Пандора должна была стать орудием отмщения. Гефест вылепил Пандору из земли и воды, дал своему творению облик, подобный богине, человеческий голос и прелесть. Афродита одарила Пандору красотой, Гермес - коварством, хитростью, лживостью и красноречием. Афина соткала для Пандоры прекрасные одежды. Одарили Пандору и другие боги.
     Зевс отдал Пандору замуж за брата Прометея - Эпиметея, которому она родила дочь Пирру. Эпитемий, несмотря на предостережения Прометея, принял в дар от Зевса ящик, в котором были заключены все людские пороки, несчастья, болезни. Терзаемая любопытством, Пандора открыла его и выпустила на волю бедствия, от которых с тех пор страдает человечество. На дне осталась только надежда, так как Пандора успела захлопнуть крышку.
Иносказательно ящик Пандоры - вместилище бед; дар, чреватый бедами.
 Миф.
     На первом плане картины изображена девушка необыкновенной красоты. Ее полуобнаженная фигура расположена по центру картины, в статичной позе, что в совокупности с отсутствием диагональных линий и преобладанием линий вертикальных и горизонтальных создает статичную композицию, которая необходима здесь для создания настроения безъисходности и необратимости происшедшего – беды вылетели, и обратного пути нет.
    Для усиления трагичности происходящего художником использован специфический колорит, (оттенки серого, коричневого, болотного) на фоне которого обнаженное тело Пандоры привлекает внимание и кажется трогательно незащищенным на фоне изломанных линий мрачного леса, на заднем плане. Мерцающие вдали четыре блика создают мистическое напряжение еще и тем, что дают простор для фантазии, это могут быть окна, а могут быть глаза чудовищ – лес вполне позволяет такое предположение.
    Сама Пандора являясь, несомненно, сюжетно-композиционным центром, выделенным цветом, освещенностью, укрупнением изображения, изображена художником несколько отличной от мифа, ее поза говорит о том, что она сама удивлена происходящим и сделала это не по злому умыслу, ее лицо не может принадлежать женщине, которую Гермес наделил коварством, хитростью, лживостью.
     Ларец, изображенный рядом с Пандорой, необыкновенно красив, исполненный в золоте он привлек бы внимание и не такой слабой (такое впечатление производит ее облик) женщины как Пандора. Кстати,  его расположение в левой части картины,  полностью соответствует особенностям нашего зрения – мы рассматриваем картину слева направо и он попадает в поле нашего зрения едва ли не раньше Пандоры.
     Еще один элемент, изображенный на картине, требует осмысления – источник, который начинается где-то и протекает, занимая приблизительно половину пространства, справа от Пандоры. Только он движется на картине, по-видимому, символизируя быстротечность жизни, несмотря на которую, совершенный Пандорой замысел Зевса вечен.
Анализ картины.


title: Презентация на тему: Живопись импрессионизма

text:
Живопись импрессионизма

«Салон Отверженных»
Париж, 1863 год, Дворец промышленности... Жюри знаменитого Салона — художественной выставки, ежегодно проходящей здесь, — отклоняет около семидесяти процентов представленных работ... В разразившийся скандал пришлось вмешаться самому императору Наполеону III. Познакомившись с отвергнутыми полотнами, он милостиво разрешил представить их в другой части Дворца промышленности. Так 15 мая 1863 г. была открыта выставка, сразу же получившая выразительное название «Салон Отверженных».
Годами приученная к официальному академическому искусству, публика пребывает в полном недоумении...
Взрыв хохота вызывает «неприличная» картина Эдуарда Мане «Завтрак на траве», на которой изображены две обнаженные женщины в окружении двух мужчин, одетых в современные черные сюртуки... Они спокойно беседуют под сенью деревьев, не обращая внимания на смущенные взоры окружающих.
Эдуард Мане,
Завтрак на траве. 1863 г.
Музей Орсе, Париж
Еще через два года Мане выставляет картину «Олимпия». Многочисленная охрана бессильна перед натиском разъяренной толпы.
На следующий день картину размещают так высоко чтобы возмущенная публика не смогла в ярости пронзить ее острым зонтиком. С картины в зал смотрит молодая обнаженная женщина с черной бархоткой на шее. В ней публика без особого труда узнает известную парижскую гризетку. Критики и пресса  захлебывались   от  негодования:   «Никогда  и  никому  еще не приходилось видеть что-либо циничнее, чем эта Олимпия. Это самка гориллы, сделанная из каучука...» «Публика толпится, как в морге, перед смердящей «Олимпией» господина Мане».
На защиту картины встали очень немногие. В их числе был писатель Эмиль Золя:
«Он познакомил нас с Олимпией, девушкой наших дней, которую он встречает на тротуарах, кутающей свои худые плечи в холодную полинявшую шаль... Место господину Мане в Лувре уже обеспечено».
Понадобится немало лет, чтобы сбылось это пророчество. Вокруг Мане отныне объединяется немало талантливых художников, которые, как и он, не признают официальное искусство и решают идти своим путем. Среди них — Клод Оскар Моне (1840—1926), Камиль Писсарро (1830—1903), Пьер Огюст Ренуар (1841 — 1919), Альфред Сислей (1839—1899), Эдгар Дега (1834—1917) и др. Битва за новое искусство продолжалась вплоть до 1886 г., когда состоялась последняя, восьмая выставка этих художников.
Критики, сосредоточив всю свою ярость на «неприличиях» сюжетов, не заметили того нового, что уже содержали картины единомышленников Эдуарда Мане. Свежий воздух, яркий солнечный свет, радостное, счастливое настроение человека, жизнь которого органично сливалась с ритмом больших городов и лирических пейзажей. Они сумели убедить своих современников в том, что магические эффекты света и воздуха значат в живописи гораздо больше, чем сюжет.

В отличие от романтиков и реалистов, они уже не склонны были изображать историческое прошлое. Сферой их интересов была современность. Жизнь маленьких парижских кафе, шумные улицы, живописные берега Сены, железнодорожные вокзалы, мосты, неприметная красота сельских пейзажей и небольших деревушек становятся главными объектами изображения.

Эдуард Мане
Максимилиан Волошин очень точно определил общую тональность нового искусства:
«Зарождение импрессионизма было радостно, как ранняя весна. Первые импрессионисты вышли на свет из темной комнаты и по-детски радовались свету, краскам».
Художественные искания импрессионистов
Своим названием импрессионизм обязан картине Клода Моне, впервые представленной на выставке отверженных художников в 1874 г. Она называлась «Впечатление. Восход солнца».

Художник запечатлел краткий момент, когда огромный оранжевый шар выплывает из-за облака в полумглу раннего утра. Его алые отсветы, отражаясь в реке, трепещут на водной поверхности. Сизо-молочная дымка тумана окутала очертания предметов, находящихся в бухте. Кругом все так непостоянно и зыбко, что невозможно различить границы между небом, берегом и рекой. Кажется, будто множество маленьких лодочек плавает в огромном космическом пространстве. Но через минуту, когда рассеется туман, все исчезнет и примет совершенно иной вид...
«Стог сена в Живерни»
Одна американская художница вспоминала, как Клод Моне говорил:
«Когда вы выходите писать, постарайтесь забыть, какие предметы перед вами — дерево, дом, поле или еще что-то. Просто думайте: здесь квадратик голубого, здесь полоса розового, здесь желтая жилка — и пишите это точно так, как вы воспринимаете, до тех пор, пока не будет передано ваше собственное наивное впечатление сцены, находящейся перед вами».
 “Скалы в Этрета”,
 “Руанские соборы”
“Поле маков”, 1880-е годы,
“Бульвар капуцинок в Париже”, 1873
Огромные возможности в использовании цвета открывала техника пастели (фр. pastel) — живописи цветными карандашами или красочным порошком. В ней особенно любил работать Эдгар Дега. Фактура пастелей бархатиста, она способна передать вибрацию цвета, который кажется как бы светящимся изнутри.

В «Голубых танцовщицах» техника пастели использована для усиления декоративности и цветового звучания композиции. Сноп яркого света, заливающий картину, помогает создать особую, праздничную атмосферу балетного танца. Создается впечатление, что свет здесь целиком заменяет рисунок, он организует, приводит к единому звучанию сложную симфонию красок. В ярких голубых пачках, с цветами в волосах, танцовщицы кажутся прекрасными сказочными феями, участвующими в волшебной феерии.
«Причёсывающаяся женщина»
«Лохань»
Эдгар Дега.
Эдгар Дега.
«Абсент»
Подлинным чародеем света был Огюст Ренуар.

Посмотрите, как передан свет в картине «Качели». Его пятна, проникающие сквозь трепещущую на ветру листву, определяют взаимосвязь света и тени. Блики света оживляют изображение, приводят его в движение. Тени пятнами ложатся на одежду, лица, стволы деревьев, тропинку в цветных бликах...

Ренуар писал:
«Я люблю картины, которые возбуждают во мне желание прогуляться в глубину их, если это пейзаж, или коснуться рукой груди или спины, если это изображение женщины».
Огюст Ренуар.“Бал в Мулен де ла Галетт”
Огюст Ренуар. Жанна Самари»
Писсарро (Pissarro) Камиль (1830-1903), французский живописец
«Пейзаж у Понтуаза»
«Сена и мост Искусств»
«Вид в Шоппонвале»
“Бульвар Монмартр”, 1897
Камиль Писсарро.
Оперный проезд в Париже. 1898 г. ГМИН
им. А. С. Пушкина, Москва
Сислей (Sisley) Альфред (1839-1899), французский живописец
«Снег у Лувесьенне»
«Город Вильнёв-ла- Гарен на берегу Сены»
Повседневная жизнь и человек в произведениях импрессионистов
Иными стали подходы к повседневности и человеку в искусстве. Парадным портретам художники-импрессионисты предпочитали изображения простых модисток, танцовщиц перед балетным станком, тренировки жокеев накануне скачек... В живописи импрессионистов человек сливается с ярким ритмом живой природы. Ренуар говорил:
«Я бьюсь над моими фигурами, покуда они не составят единого целого с пейзажем, служащим им фоном; я хочу, чтобы чувствовалось, что они не плоски, равно как и мои деревья. А в особенности необходимо, чтобы все это оставалось живописью».


title: Презентация на тему: Живопись романтизма

text:
Живопись романтизмаЭжен ДелакруаФрансиско Гойя

Урок МХК в 11 классе
подготовила учитель Мишкина И.В.
Принципы романтизма
1. Неприятие реальной жизни.
2. Исключительность романтического героя (внутренняя раздвоенность, одиночество, поиски идеала, жизнь в сфере эмоций).
3. Культ прошлого: идеализация Античности и Средневековья, интерес к фольклору.
Представители направления
 Э.Делакруа (Франция)
 Ф.Гойя (Испания)
 К.Фридрих (Германия)
 С.Щедрин
 О. Кипренский
 И. Айвазовский

Россия
Эжен Делакруа
1798 Родился в Париже в семье чиновника Шарля Делакруа.
1815 Принимает решение стать художником. Поступает учеником в мастерскую , затем в Школу изящных искусств.
1822 Выставляет в Салоне полотно «Ладья Данте».

1824 Картина Делакруа «Резня на Хиосе» становится одной из сенсаций Салона.
1830 Июльское восстание в Париже. Пишет свое знаменитое полотно «Свобода, ведущая народ».
1855 Награжден орденом Почетного легиона. В рамках Всемирной выставки в Париже проходит персональная выставка.
1863 Завершает продолжавшуюся много лет работу над фресками для церкви Сен-Сюльпис.
1863 13 августа умирает в своем парижском доме.

«Резня на Хиосе» -«жуткий гимн року и страданию» (Бодлер)
«Свобода, ведущая народ»
Франсиско Гойя
	Единственное полотно Гойи в российских музеях — портрет актрисы Антонии Сарате, преподнесённый Эрмитажу в 1972 году американским миллионером.
«Расстрел повстанцев  в ночь на 3 мая 1808 года»
«Семья Карла IV»


title: Презентация на тему: Живопись II половины XIX века

text:
Живопись II половины XIX века
В. Г. Перов
     Русская живопись второй половины XIX века решала те же общественные вопросы, что и литература. В ней ведущим стало направление критического реализма.

     Одним из крупнейших художников этого направления является Василий Григорьевич Перов. Он сумел с обличительным пафосом показать многие неприглядные стороны современной его жизни.
«Крестный ход на пасху» 1861
«Чаепитие в Мытищах , близ Москвы» 1862
 «Приезд гувернантки в купеческий дом»
«Тройка»
Передвижники
В 1863 г. В художественной жизни России произошло из ряда вон выходящее событие. 14 выпускников Академии художеств отказались писать обязательные для получения дипломов картины на сюжет скандинавской мифологии. Не получив разрешение на свободный выбор, бунтари покинули Академию и основали в Петербурге артель художников, которая в 1870 г. Была преобразована в Товарищество передвижных художественных выставок.

Руководителем и теоретиком передвижников был Иван Николаевич Крамской.
 И.Н.Крамской
     Крамской вошёл в историю русской живописи прежде всего как выдающийся портретист. Он создал целую серию образов деятелей русской культуры – портреты М.Е. Салтыкова – Щедрина, Н.А.Некрасова, Л.Н.Толстого.
«М. Е. Салтыков-Щедрин»«Л. Н. Толстой»«Н. А. Некрасов»
Многие произведения
Крамского стоят на грани портрета и тематической картины.

«Неизвестная»
И. Е. РепинВ. И. Суриков
     Вершиной реализма в русской живописи второй половины 19 века справедливо считается творчество Ильи Ефимовича Репина и Василия Ивановича Сурикова, полотна которых создали собирательный образ русского народа.

      Наиболее громкое общественное звучание имели работы Репина «Бурлаки на Волге», «Не ждали», «Отказ от исповеди», «Арест пропагандиста»/
«Бурлаки на Волге»
 «Не ждали»
«Отказ от исповеди»
 «Запорожцы пишут письмо турецкому султану»
В 70-80-х гг. Репин
увлёкся историческими
темами. Картина «Запорожцы
пишут письмо турецкому султану» - одна из них.
Полотна Сурикова  - это художественно
воссозданная история, главным героем
которой является русский народ.
«Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в
Берёзове», «Боярыня Морозова»,
«Покорение Сибири Ермаком» –
эти картины вошли в золотой фонд
Русской художественной культуры.
«Переход Суворова через Альпы» 1899
«Утро стрелецкой казни» 1881
«Меньшиков в Берёзове»
«Боярыня Морозова»
«Покорение Сибири Ермаком» 1895
  «Взятие снежного городка»
«Степан Разин»
 В. М. Васнецов
К жанру русских народных сказаний
обратился Виктор Михайлович Васнецов. Его
Картины проникнуты духом народных  сказок. Религиозными исканиями и размышлениями о судьбе народа – богатыря.
          «Алёнушка»                        «Иван Царевич и Серый Волк»
«Витязь на распутье»
«Богатыри»
«После побоища Игоря Святославовича»
И. И. Шишкин
Главным объектом внимания многих
художников стал среднерусский пейзаж. Суровая природа Русского Севера.
Картины Ивана Ивановича Шишкина создают
впечатление могущества, силы, величия
русской природы, которая и должна быть  присуща богатырскому народу.

«Рожь»
 «Хвойный лес»                                 «Опушка леса»
«Утро в сосновом лесу»
А. И. Куинджи
Особое место в пейзаже второй
половины 19 века занимает Архип
Иванович Куинджи, который был
Мастером поразительных световых
эффектов. «Украинская ночь»,
«Ночь на Днепре», «Берёзовая роща».
         «Украинская ночь»
«Ночь на Днепре»
«Берёзовая роща»
И. К. Айвазовский
Иван Константинович Айвазовский больше всего любил изображать море. Его полотна  пользовались огромной популярностью.

«Радуга»
«Девятый вал»


Презентация на тему: Живопись XIX века


Презентация на тему: Живопись раннего возрождения. Художественные школы


Презентация на тему: Живопись на рубеже XIX-XX веков


Презентация на тему: Живописные просторы родины


Презентация на тему: Живопись России XVII века


Презентация на тему: Живопись нидерландов 17 век


title: Презентация на тему: Живопись в культуре Индии, Китая и Японии

text:
Живопись в культуре Индии , Китая и Японии.
Презентацию подготовили
Ученицы 7 А класса:
Ким Виктория
Калабина Елизавета.

Живопись Индии
Ранней индийской живописью можно считать наскальные рисунки первобытного времени. Петроглифы были общими для всех родовых племён и рисовались в дверных проёмах, а также в помещениях, где проживали гости. Пещерная живопись из  Эллоры , а также храмовая живопись, свидетельствуют о любви к натурализму. Наиболее ранняя и средневековая живописи в Индии — индуистская, буддистская, джайнистская. Ранголи по-прежнему остаётся наиболее популярным способом нанесения орнамента, его очень часто можно встретить на порогах многих индийских домов, особенно, в Южной Индии. Раджа Рави Варма — один из классических художников средневековой индийской живописи.
Живопись Индии
Основные элементы живописи
Неотъемлемой частью индийской культуры является миниатюра, которая представляет собой живописные листы средних размеров, собираемые в папки. По технике и трактовке изображаемого индийская миниатюра в основном сродни фрескам, росписям на тканях или иллюстрациям в рукотках. Поздние образцы иллюстраций в манускриптах начала XVI в. определили основные направления эволюции миниатюрной живописи ранней раджастанской и могольской школ. Впрочем, еще до этого периода более богатый и декоративный стиль был представлен группой книжных иллюстраций, являющихся по сути дела миниатюрами со сценами во весь лист. Вершиной этого стиля стала любовная серия . Беломраморная архитектура украшена декором из лепестков лотоса и завершается башенками или низкими куполами; фоном миниатюр часто являются цветущие деревья с белыми лепестками. В небе виднеются светлые, правильно округленные облака. «Чаурапанчашика» иллюстрирует кульминационный момент любовной истории, представленной в тексте. Грациозные и чувственные жесты влюбленных весьма эмоциональны.

Живопись Индии
Живопись Китая

Китайская живопись, как вид изобразительного искусства, и одна из немногих живых «неевропейских» традиций живописи, зародилась в древнем Китае, и непрерывно эволюционирует со времен неолита и до сегодняшнего дня.

Живопись Китая

Основные элементы живописи
На картинах великих мастеров можно увидеть традиционные объекты: благоухающую орхидею, вечнозеленые сосны и кипарисы, несокрушимые скалы, воплощение жизненной силы – бамбук, животных, птиц и др. Китайская живопись основана на тонком соотношении нежных минеральных красок, гармонирующих между собой. Передний план обычно отделялся от заднего группой скал или деревьев, с которыми соотносились все части пейзажа. Композиционный строй картины и особенности перспективы были рассчитаны на то, чтобы человек ощущал себя не центром мироздания, а малой его частью. С древнейших времен в Китае существовала живопись на шелке. Художники создавали миниатюрные живописные композиции на веерах, экранах и ширмах, писали на многометровых свитках сцены городской и дворцовой жизни, пейзажи. Сюжетами служили мифы о героях – предках, чудесных птицах и загробном мире. В творчестве Ци Байши, одного из наиболее известных китайских художников, жившего на рубеже XIX – XX вв., отразились классические традиции и экспериментальные поиски. Он копировал образцы классической живописи и каллиграфии и при этом много работал с натуры в поисках собственных, неповторимых средств выразительности. Первая тушечница и палочка туши, обе старые и потрескавшиеся, были подарены юному Ци Байши его дедом. Затем он купил ему кисть и немного копировальной бумаги. С этого времени начались годы упорного труда и путь к славе. Особенную популярность принесли художнику картины, выполненные в жанре “цветы – птицы”. Он любил изображать пионы, лотосы, цветы дикой сливы, вьюнки травы и т.п. Особое пристрастие питал художник к водным обитателям: рыбы, креветки, крабы, лягушки ценились мастером как объекты чрезвычайной художественной выразительности. Ци Байши не переставал удивляться красоте мира, сочности, свежести и яркости плодов граната, персиков, винограда, ягод вишни, которые писал виртуозно.
Живопись в Китае
Живопись в Японии
Японская живопись — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей.
Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала.[2]
Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения. В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.
Живопись в Японии
Основные элементы живописи
Другим предметом, который широко распространен в японской живописи, является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин, которые часто переполнены цифрами и деталями. Эта традиция, несомненно началось в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня.
Живопись в Японии
Спасибо за просмотр!


title: Презентация на тему: Живопись Испании 17 век

text:
Живопись Испании
17 век
Особенность испанской культуры
Культура Испании оригинальна тем, что она  в 17 веке впитала в себя многовековое развитие культуры Европы в один век.
Характерна национальность
Развитие искусства получило в период абсолютной монархии

Эль Греко
Художник философского мышления. Его творчество аристократично, утончено, интеллектуально.

Эль Греко
 «Петр и Павел». Эта картина раскрывает типы разных людей. Слева – задумчивый Петр, его настроению и темпераменту соответствует цвет плаща – холодно – золотистый. Справа – повелительно – властный Павел в ярко красном одеянии. Жесты рук объединяют их в композиционный узел, выражают диалог.
Воскрешение
Его Христос утончен, интеллектуален.
Изображен в момент выхода из гробницы.

Мария Магдалина
 Его манере живописи характерна готически аристократическая вытянутость фигур по вертикали
Пейзаж. Вид на город Толедо.
Диего Веласкес
 Гениальный художник, вершина испанской живописи. Он воспевал идеи гуманизма, любовь к простым людям. Родился в Севильи, учился у художника – реалиста, в 17 лет- мастер живописи.
Кружевница.
Одна из любимых тем – изображение простых людей за работой.
Веласкес. Сдача Бреды
Ключ к прочтению картины совпадает с изображением ключа от крепости, который переходит из рук губернатора города в руки испанского полководца Спинолы. Ключ выделен черным силуэтом на белом фоне и фокусирует на себе внимание, обозначая момент «настоящего» действия.
Менины
Менины
Самая знаменитая и загадочная из его картин – «Менины». Ее называют «Картина создания картины». Изображение имеет двойственность: стороны разделены рамой, а изображаемые на полотне люди и мы являемся зрителями друг друга.
Пряхи
В картине «Пряхи» арочным проёмом соединяются 2 мира: реальное и мифологическое. Оба мира образуют два противоположных по смыслу плана. Первый – реалистический, мрачный, изображающий труд прях. Второй – мифологический, светлый, театральный.
Авторы изображения зеркал: Веласкес, Ян Ван Эйк                          1                                        2
Дайте названия картинам, определите авторов.1                                                    2
Кающаяся Магдалина. Тициан и Эль Греко. Определите авторство: 1                                            2
Вопросы:
1. Особенности формирования Испанской культуры 16 – 17 вв.
2. Как вы понимаете аристократичность живописи Эль Греко?
3. Как выделил Веласкес центр композиции в картине «Сдача Бреды»?
4. Самая загадочная картина Веласкеса.


title: Презентация на тему: Живопись Испании. Франсиско Гойя (1746-1828)

text:
ЖИВОПИСЬ   ИСПАНИИ
ФРАНСИСКО ГОЙЯ
(1746-1828)
 Жизнь художника
      Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусиен-тес родился в селении Фуэндетодос близ города Сарагоса (на северо-востоке Испании) в семье ремесленника — позолотчика алтарей. С четырнадцати до двадцати лет он обучался живописи в мастерской сарагосского художника Хосе Лу-сан-и-Мартинеса (1710—1785), а  затем переехал в Мадрид. В 1765— 1774 гг. молодой художник жил в Италии, после чего вернулся в Сарагосу, где делал росписи в местных церквах и дворцах. В 1775 г. Гойя поселился в Мадриде. Получив заказ от Королевской шпалерной мануфактуры, он с 1776 по 1791 г. создавал картоны для шпалер, на которых изображал сцены из испанской жизни. «Зонтик» (1777 г.), «Мадридский рынок*(1778 г.), «Продавец посуды» (1778 г.) и другие работы тех лет показывают пронизанный солнцем красочный мир, счастливый и естественный. Одновременно художник написал множество портретов. Даже выполняя официальные заказы (например, «Портрет маркизы Анны Понте-хос», 1787 1'.), ему удавалось создать яркий образ, передать самые характерные черты модели.
Во второй половине 80-х гг. Гойя был уже признанным мастером. Он стал заместителем директора отделения живописи мадридской Королевской академии Сан-Фернандо (акалемии искусств), художественным руководителем Королевской шпалерной мануфактуры. В 1789 г. он получил звание придворного художника.

      Во второй половине 80-х гг. Гойя был уже признанным мастером. Он стал заместителем директора отделения живописи мадридской Королевской академии Сан-Фернандо (акалемии искусств), художественным руководителем Королевской шпалерной мануфактуры. В 1789 г. он получил звание придворного художника.

      Однако блестящая карьера длилась недолго. В 1792 г. Гойю начали мучить сильнейшие головные боли, зрение у него ослабло, и он полностью оглох. С 90-х гг. начался новый этап его творчества. Весёлый и жизнерадостный живописец остался в прошлом, а его место занял страдающий, замкнувшийся в себе и в то же время зорко видящий чужое горе мастер.

      Графическая серия «Капричос» (исп. «фантазия*, *игра воображения») из восьмидесяти офортов была создана в 1797—1798 гг. В ней Гойя, используя образы испанских народных пословиц, басен, поговорок, высмеивал людские суеверия и пороки — трусость, лицемерие, притворство, жестокость и т. п. В сущности, он разоблачал весь традиционный порядок и уклад жизни старой Испании. В его офортах реальное сплетается с фантастическим, гротеск переходит в карикатуру. Каждый лист серии представляет собой законченное произведение, состоящее из рисунка и авторского комментария к нему,

Офорты Гойи раскрывают тему борьбы добра со злом, причём зло торжествует. Человеческие пороки и духовное уродство плодят нечисть. Тёмной ночью колдуны и ведьмы, домовые и бесы хохочут, кривляются на шабаше («Когда рассветёт, мы уйдём»). Однако с наступлением утра нечисть не исчезает, а лишь меняет спой облик, оборачиваясь внешне добропорядочными людьми. Духовенство и знать Испании предстают в «Капричос* в образахослов, попугаев, обезьян («Какой златоуст!», «Вплоть до третьего поколения»). Здесь чудовищно безобразные старые сводни развращают юных неопытных девиц, а коварные прелестницы жестоко обманывают своих кавалеров. В «Капричос» старость берёт верх над юностью, глупость и невежество — над умом, а распутство — над добродетелью. Гойя изобразил на одном из офортов себя окружённым слетающимися совами, летучими мышами и прочими тварями. Он назвал этот офорт «Сон разума рождает чудовищ».
«Капричос» моралистичны, что было свойственно эпохе Просвещения, но в них уже проступают черты реализма XIX столетия. Эта серия приобрела невероятную популярность в среде романтиков, ею восторгались и без конца её копировали,
«Капричос»
«Когда рассвет,                              «Какой златоуст!»                                    «Сон разума
        мы уйдем»                                                                                рождает чудовищ»
«Королевская семья»
В 1800 г. Гойя создал для короля Карла IV портрет его семьи, В этом парадном полотне хорошо видна ирония художника по отношению к властителям мира сего. Гойя замечательно передал цвета и фактуру тканей: шелестящего лёгкого шёлка, тяжёлой золочёной парчи, прозрачных кружев, мягкого нежного бархата. Однако великолепие ярких нарядов, блеск золота и сияние драгоценностей лишь сильнее оттеняют физическое несовершенство и заурядность членов королевской фамилии. Фигуры в роскошных одеждах стоят неподвижно, словно куклы. Их некрасивые, замкнутые, холодные лица производят отталкивающее впечатление. Даже дети не выглядят естественными и жизнерадостными в этой чопорной семье.

Начало XIX в. совпало для художника с появлением в его творчестве идеала романтической личности, свободной, бунтующей, бросающей вызов обществу. Такими Гойя видел своих соотечественников («Портрет Исабели Ковос дс Порсель», 1806 г.; «Портрет графа Педро Антонио Переса де Кастро», 1803-1806 гг.).
В то время на земле Испании происходили драматические события. В 1808—1814 гг. страну оккупировали войска Наполеона Бонапарта, что вызвало ожесточённое сопротивление испанцев, монархия Бурбонов рухнула, король Фердинанд VII отрёкся от престола и был изгнан; разразилась первая испанская революция, которая тесно переплелась с национально-освободительным движением. Народ получил некоторые демократические свободы, но Фердинанд VII, вернувшийся в Испанию, отменил их. В 1820 г. началась вторая революция, завершившаяся в 1823 г. Она частично восстановила завоевания первой революции. Всё это надолго приковало к себе внимание художника.
«Бедствие войны»
Новая серия офортов Гойи, начатая в 1810 г. и законченная только в 1820 г., получила название «Бедствия войны». В этих графических работах уже нет злодеев и нечистой силы, как в «Капричос», но есть жестокий реализм, который позволяет зрителю пережить войну вместе с художником как чудовищную катастрофу. В -Бедствиях войны» переплетается множество тем. Это и голод, и грабёж, и разбой победителей. Особенно выделяются своей натуралистичностью сцены насилия, где израненные человеческие тела выставлены напоказ завоевателями.
Хотя серия и посвящена трагическим событиям в Испании, тема войны звучит обобщенно, недаром один из листов Гойя сопроводил надписью: «Так повсюду». События, которые изобразил мастер, происходят в любую эпоху в любой стране, когда идёт война, бесчеловечная именно своей будничностью. Причём художник обращает внимание зрителя на то, что её жертвами становятся не солдаты, а прежде всего беззащитные люди, мирные обыватели.
Хотя серия и посвящена трагическим событиям в Испании, тема войны звучит обобщенно, недаром один из листов Гойя сопроводил надписью: «Так повсюду». События, которые изобразил мастер, происходят в любую эпоху в любой стране, когда идёт война, бесчеловечная именно своей будничностью. Причём художник обращает внимание зрителя на то, что её жертвами становятся не солдаты, а прежде всего беззащитные люди, мирные обыватели.
Среди этих сцен Гойя поместил офорт «Какое мужество!*. Это романтическое но духу произведение как будто не согласуется с основным мотивом серии, однако оно показывает ещё одну сторону войны. Здесь изображена Агостина Сарагосская, прославившаяся тем, что летом 1808 г. во время боя заменила возле пушки погибших артиллеристов. Композиция офорта проста и лаконична. Молодая грациозная женщина в светлом платье протягивает зажжённый фитиль к запалу пушки, которая намного больше её самой. Под ногами у героини — груда обезображенных тел.
Около 1814 г. Франсиско Гойя вновь обратился к теме войны и насилия, на этот раз избрав технику масляной живописи. В исторических картинах «Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде» и -Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года» художник всеми силами стремился воссоздать реальность происходящего. Кажется, что изображённые на первом полотне французы скачут из глубины картины прямо на зрителя и только в самый последний момент сворачивают им наперерез бросаются испанцы. Впечатление сумятицы довершают вспышки снега и свободная манера живописи.

На второй картине яркий свет фонаря вырывает из мрака ночи повстанцев, которых вот-вот должны расстрелять, и исполняющих приговор солдат. Сейчас последует кровавая развязка: грянет залп. Основной художественный приём этой композиции — противопоставление. Перед зрителем дна враждующих народа: французские завоеватели и испанские борцы за свободу и независимость. Солдаты совершенно безлики, мундиры полностью скрывают их индивидуальные черты. Широко расставив ноги, направив мушкеты на безоружных людей, они стоят единым строем, как лишённые чувств автоматы.
Фигуры повстанцев, напротив, полны выразительности и драматизма. В толпе приговорённых каждый переживает приближение смерти по-своему: кто-то плачет, кто-то исступлённо молится. Среди них выделяется могучий испанец в белой рубахе. Он встречает смерть лицом к лицу, без страха. Его огромная фигура выхвачена из толпы потоком света; кажется, что все дула ружей нацелены только на него.
Последние годы
Поздний период творчества Гойи связан с работой над монументальным циклом росписей в так называемом "Доме Глухого», который он приобрёл в 1810 г. и в котором жил до 1823 г. Эти росписи долго оставались тайной мастера и так и не были закончены. В 1823— 1824 гг. Гойе пришлось скрываться у своих друзей, опасаясь гнева инквизиции и короля Фердинанда VII, заявившего, что художник заслуживает казни. В мае 1824 г. Гойя, сославшись на необходимость лечения, испросил отпуск у короля, покинул Испанию и отправился во Францию. Сначала в Париже, а затем в Бордо (на юго-западе страны) живописец вёл тихую, незаметную жизнь. Здесь он и умер, слепой, оглохший, забытый всеми.


title: Презентация на тему: Живопись XIX века

text:
ЖивописьXIX века.
Что такое живопись?
Жи́вопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на жёсткую или гибкую поверхность.Существует пять видов живописи: станковая(существующие независимо от места создания), монументальная(на архитектурных сооружениях), декоративная(предназначена для украшения или подчеркивания конструкции),театрально-декоративная(создание зрительного образа спектакля), миниатюрная(область, которая является действительно захватывающей и увлекательной)

Стили русской живописи.
В XVIII веке в русской живописи господствовал стиль классицизма. Однако к 1830-м годам данное направление постепенно утрачивает свое общественное значение и все больше превращается в систему формальных  традиций. Такая традиционная живопись становится холодным, официальным искусством.

Позже в русском искусстве появился романтизм - европейское течение. Один из основных постулатов романтизма, противоположный классицизму, — утверждение личности человека, его мыслей и мировосприятия в качестве главной ценности в искусстве. В России романтизм приобрел свою особенность: в начале века он имел героическую окраску, а потом - трагическую.

Романтизм стал основой для последующего зарождения реалистического направления, утвердившегося в искусстве во второй половине XIX века. Характерной особенностью реализма являлось обращение к теме современного народного быта, утверждение новой тематики в искусстве — жизни крестьян.
Выдающимися достижениями в русском искусстве начала XIX века характеризуется портретная живопись. Русский портрет в течение всего столетия будет являться тем жанром живописи, который наиболее непосредственно связывал художников с обществом, с выдающимися современниками. Ведь, как известно, большое количество заказов от отдельных лиц художники получали именно на портреты.
Живопись в первой половине XIX века приобрело большую значимость в жизни общества, чем это было в XVIII веке. Развитие национального самосознания, вызванное победой в Отечественной войне 1812 года. Вследствие чего в течение первой четверти столетия, впервые возникли общественные организации, например общество поощрения художников. При императорском Эрмитаже в 1825 году была создана Русская галерея.

Художники XIX века.
Фердина́н Викто́р Эже́н Делакруа́
Оска́р Кло́д Моне́
Жако́б Абраа́м Ками́ль Писсарро́
Бронников Фёдор Андреевич


title: Презентация на тему: Живопись Руси в XIV-XV вв.

text:
Знаменитые мастера.
Живопись Руси в XIV-XV вв.
Расцвет иконописи в России приходится на 14 – 15 вв, когда Россия, еще полностью не освободившись от монголо - татарского ига, старалась преодолеть междуоусобную войну, стремясь к объединению. Строились храмы в Москве, Новгороде, Пскове и других городах средневековой Руси. В это время образовались два культурных центра: Новгород и Москва. Они стали развивать самобытное искусство, отличающееся друг от друга, как сами города и их уклад жизни.
Новгород – боярско-купеческий город, более демократичный, а значит, принимал всё новое, что появлялось в искусстве. Москва – княжеско-церковный, а значит, и искусство ей больше нравилось придворное и утончённое. Конечно, это разделение условное и оно не сразу обозначилось.
Новгород и Москва XIV-XV вв.

Новгород
Москва
Византийская иконопись прочно завоевала позиции в России. Иконы писались художниками профессионалами по канонам, выработанным в Византии. Строительство храмов повлекло за собой необходимость украшать их. Стены и столпы покрывались фресками, в алтарные стены – иконами.
Русские художники обретали свой собственный стиль, все более отходя от византийского наследия и опираясь на местные традиции, усилившиеся вместе с процессом феодального дробления. Так, новгородская школа с присущими ей чертами суровой выразительности, энергичной манерой письма, экспрессивной трактовкой образов сложилась уже в 12 – 13 веках, а расцвета достигла в конце 14 – 15 веках. Характерная черта новгородской иконописи заключается в сочетании христианских и фольклорных начал.
Ярким событием в развитии художественной жизни Новгорода второй половины 15 века стало появление в этом городе византийского живописца Феофана Грека, оставившего свой неизгладимый след прежде всего в монументальной живописи Новгорода.

Иконопись
Феофан не только живописец, но и философ, сумел так глубоко понять и выразить в своем искусстве то важное, что отвечало духовным и художественным устремлениям русских людей той эпохи. Он настолько сжился с русским народом, настолько крепко вошёл в русское искусство, что его имя стало неотделимо от русской культуры. «Преславный мудрец, философ зело хитрый… среди иконописцев отменный живописец», - говорил о нем современник, русский церковный писатель Епифаний Премудрый.
Манера письма Феофана Грека резка и лаконична. Темный фон, четкие белые блики, вытянутые, угловатые фигуры, жесткие складки одежд. Каждому образу свойственна мощная внутренняя энергия и – что совершенно не вписывалось в канон – индивидуальная характеристика, точная и неповторимая.
Феофан Грек (1340 – 1405)
Успение Богородицы

Церковь Спаса на Ильине, Новгород

Церковь Рождества Пресвятой Богородицы, Москва
Архангельский собор (Михаила Архангела), Москва

Благовещенский собор, Москва
Иконостас Благовещенского собора

Архангел Гавриил
Апостол Павел
Архангел Гавриил

Василий Великий
Иоанн Златоуст
В 14 веке главной в новгородской живописи была фреска. В 15 веке первенство переходит к иконе, которая сохраняет лучшие традиции росписи – выразительность и красоту живописного языка. В Москве Ф. Грек пишет иконы. Московские иконы писались в 1405 году, когда художник был уже далеко не молод; и по сравнению с новгородскими фресками они более спокойные, линии – мягче, и в настроении образа доминирует не эмоциональный накал, а глубокая сосредоточенность, какая охватывает человека, погруженного в молитву.
Во многом благодаря творчеству Феофана, а также греческих и русских мастеров возглавляемой им московской мастерской иконописи возрастает и смысловая, и композиционная роль иконостаса в оформлении храмов.
Донская Богоматерь
Предполагают, что он родился около 1360 г. Однако первое известие о нём относится только к 1405 г. Летописная запись, рассказывающая об участии Андрея Рублёва в росписи Благовещенского собора. Рублёв стал иноком, а затем соборным старцем Спасо-Андроникова монастыря.В науке давно уже сложилось мнение о великом живописце как об исконно московском художнике. Но если признать, что Рублёв принимал участие в создании Благовещенского иконостаса (а иконостас этот не московского происхождения), то данное убеждение будет поставлено под сомнение. Если же прибавить, что немногочисленные дошедшие до нас памятники дорублёвской московской живописи не обнаруживают родства с произведениями художника, то эти сомнения ещё более усилятся и в конце концов заставят предположить, что жизнь Рублёва складывалась как-то иначе. Уточнить место его рождения и начало творческой биографии пока не представляется возможным. В Москву Рублёв прибыл скорее всего уже зрелым и признанным мастером, искусство которого впитало в себя традиции разнообразных художественных школ .
В них Рублёв уже заявляет о себе как необычайно яркая и одарённая творческая личность. Эти иконы выделяются звучностью и чистотой колорита, который можно назвать поэтическим.
АНДРЕЙ РУБЛЁВ (около 1360 — около 1430)

Спас.
Троица

Архангел Михаил
Апостол Павел
 Летописи свидетельствуют о росписи Даниилом и Андреем Рублёвым Успенского собора во Владимире, причём Даниил назван первым, что может свидетельствовать о старшинстве и большей опытности Даниила. Иосиф Волоцкий называет Даниила учителем Рублёва. Погребён Даниил в Спасо-Андрониковом монастыре То что Даниил работал всегда в соавторстве с Андреем Рублевым, создает проблему разделения творчества двух художников. Выход исследователи ищут в попытках выделить особые стилистические приемы, характерные для каждого мастера. Скончался Даниил одновременно с Андреем Рублевым около 1430 г. от «морового поветрия» и погребен рядом с ним в Спасо-Андрониковом монастыре в Москве..
В 1992 г. при расчистке алтаря Спасского собора рядом с могилами игуменов и основателей монастыря было обнаружено погребение двух простых монахов .Возраст монахов был соответственно примерно 50 и 80 лет. По мнению антрополога Сергея Никитина это было вторичное захоронение (кости имели повреждения, оставленные предположительно поисковым щупом). На этом основании (вряд ли кого еще из простых монахов могли разыскивать для перезахоронения на столь почетном месте) погребения были идентифицированы как тела Андрея Рублева и Даниила Черного.
Даниил Черный (1350-1428)

Лоно Авраамово

Благовещание

Спасибо за внимание!


title: Презентация на тему: Живопись России XVIII века

text:
ЖИВОПИСЬ РОССИИ XVIII ВЕКА
Иван Петрович Аргунов – мастер портретного жанра
Портрет екатерины ii
Портрет
елизаветы петровны
Иван Петрович Аргунов (1727-1802)
Главным его призванием был портрет.

В 1750 г. художник завершает парадный «Портрет князя И. И. Лобанова-Ростовского», в 1754-м парный к нему «Портрет княгини Е. А. Лобановой-Ростовской». Особенно хорош портрет княгини. Он несколько жестковат по исполнению, что, впрочем, вполне естественно для совсем молодого художника, когда стремление к тщательности и законченности исполнения еще не соединяется со свободой и легкостью. Однако именно эта жесткость в сочетании с построенным на оттенках холодных цветов колоритом (roлубое с серебряными узорами платье, пудреные волосы, горностаевая мантия) придает портрету своеобразную хрупкую прелесть. Писал художник и «исторические» портреты предков своих хозяев — фельдмаршала Б. П. Шереметева, князя А.М. Черкасского. Писал и императриц — Елизавету Петровну и Екатерину II.
В 1770 — 80-е rr. он пишет мало, но именно в это время появляется его едва ли не самое знаменитое произведение — «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме» (1784)— первое такого рода в русском искусстве. Вероятно, изображена действительно женщина из простонародья, возможно кормилица, в этнографически точном наряде крестьянки Московской губернии (а не актриса в театральном «парадном» костюме, как считали некоторые исследователи).

«Девушка в кокошнике» И.П.Аргунов
Портрет Е.Лобановой – Ростовцевой (И.П.Аргунов)
Портрет графа Б.И.Шереметева (И.П.Аргунов)
Рокотов Федор Степанович(1735-1808)
Вся яркая творческая жизнь художника  была связана с Москвой. Именно здесь Рокотов нашел наилучшее применение своему творческому дарованию. Созданный Рокотовым тип портрета — камерный интимный портрет — составляет целую эпоху в русской портретной живописи. Он обладал редким даром, позволяющим мастерски передавать внутренний мир человека, его трепетность и теплоту. Его модели как бы выступают из мерцающего сумрака, черты лица слегка размыты, словно окутаны дымкой. Полотнам мастера присуще богатство оттенков тона, изысканные цветовые сочетания. Мягкие, приглушенные тона создают атмосферу интимности: в его портретах нет ничего показного, внешне эффектного. Художника привлекает внутренняя красота человека. По словам одного из современников, Рокотов с удивительным мастерством умел передавать не только “вид лица”, но и “нежность сердца”.
Парадный портрет Екатерины II (Ф.С.Рокотов)
Портреты А.П.Струйской и графа Г.Орлова (Ф.С.Рокотов)
Левицкий Дмитрий Григорьевич
Левицкий писал исключительно портреты; неизвестно ни одной его работы другого содержания. Число портретов, исполненных им, превышает сто; не менее пятнадцати из работ его в настоящее время неизвестно, где находятся, и может быть погибли
Портретам Дмитрия Григорьевича Левицкого присуща яркая индивидуальность образов
Портреты воспитанниц Смольного института (Д.Г.Левицкий)
 Владимир Лукич Боровиковский

Третий великий русский портретист, пришедший вслед за Ф. С. Рокотовым и Д. Г. Левицким, Боровиковский работал очень много, и наследие его обширно и разнообразно. Он преуспевал и в парадном портрете (многие его произведения в этом жанре почитались за образцы), и в интимном, и в миниатюрном. Он был добросовестен н трудолюбив и все делал отлично: и многочисленные копии, которые ему заказывали не раз, и даже те портреты, в которых от него требовали следовать какому-нибудь модному образцу.
Расцвет его искусства был недолгим - чуть более десятка лет на рубеже XVIII- XIX веков, - но прекрасным. Наиболее ярко его талант раскрылся в серии женских портретов
Портрет М.И.Лопухиной – лучшая работа В.Л.Боровиковского
Портрет княжон Гагариных (В.Л.Боровиковский)
Екатерина II с собачкой (В.Л.Боровиковский)
Портрет князя А.Б.Куракина (В.Л.Боровиковский)


title: Презентация на тему: Живопись в древнем мире

text:
ТЕМА ПРОЕКТА:«ЖИВОПИСЬ В ДРЕВНЕМ МИРЕ»
ГОУ школа №337 Невского района
Автор: обучающаяся 5Э класса
Иванова Кристина

Руководитель: Холодилова Надежда Антоновна
2011 год
Санкт-Петербург
Древнейшие сохранившиеся художественные произведения были созданы в первобытную эпоху, примерно шестьдесят тысяч лет тому назад.Люди каменного века придавали художественный облик предметам повседневного обихода - каменным орудиям и сосудам из глины, хотя в этом не было практической необходимости.Зачем они так поступали? На этот счёт мы можем строить лишь предположения.
Одной из причин возникновения искусства считают человеческую потребность в красоте и радости творчества, другой - верования того времени.
Люди того времени верили в магию: они считали что с помощью картин и других изображений можно воздействовать на природу. Считалось, например, что нужно поразить стрелой или копьём нарисованного зверя, чтобы обеспечить успех настоящей охоты.
Точное время создания пещерных росписей до сих пор установить не удалось.
Самые прекрасные из них были созданы, по мнению учёных, примерно двадцать - десять тысяч лет назад.
Первобытные художники очень хорошо знали животных, от которых зависело само существование людей. Лёгкой и гибкой линией передавали они позы и движения зверя. Минеральные красители смешанные с водой, животным жиром и соком растений, сделали цвет пещерных росписей особенно ярким.
Случилось так, что именно дети, причём совсем нечаянно, нашли самые интересные пещерные росписи в Европе. Они находятся в пещерах Альтамира в Испании и Ляско во Франции.
До сих пор в Европе найдено около полутора сотен пещер с росписями и можно полагать, что их ещё больше, но не все пока обнаружены.
Росписи пещеры Ласко были открыты только в 1940 году. Сходные памятники известны и за пределами Европы - в Азии, в Северной Африке.
Вначале многие специалисты сомневались в подлинности пещерных картин: казалось, что первобытные люди не могли быть столь искусны в живописи, а удивительная сохранность росписей наводила на мысль о подделке.
Наряду с пещерными росписями и рисунками в ту пору изготовляли разнообразные изваяния из кости и камня. Их делали с помощью примитивных инструментов.Создание изваяний тоже было связано с первобытными верованиями.
На 1994 г. в Европе известно более 300 пещер, гротов или навесов с изображениями относящимися к древнему миру. Из них во Франции - 150, в Испании - 125, в Португалии - 3, в Италии - 21, в Югославии - 1, в Румынии - 1, в Германии - 2, в России - 2.
Кроме наскальной живописи есть Петрогли́фы — высеченные изображения на каменной основе (от др.-греч. πέτρος — камень и γλυφή — резьба). Которые имеют самую разную тематику — ритуальную, мемориальную и знаковую.
Шишкинские писаницы (на Урале)
Малая Боярская писаница
Долина чудес (Франция)
Источники:
http://ru.wikipedia.org
http://www.larchik.com.ua/p/pervo.html
http://www.ticrk.ru/ru/gallery.php?docId=5658


Презентация на тему: Живопись счастья


Презентация на тему: Живопись Средних веков


title: Презентация на тему: Живопись Рококо «Мастера Галантного жанра»

text:
ЖИВОПИСЬ РОКОКО
«МАСТЕРА «ГАЛАНТНОГО ЖАНРА»
Антуан Ватто

Буше Франсуа

Преподаватель
 истории, обществознания, МХК
МБОУ «СОШ № 48»
г. Владивостока
Шабалина Светлана Николаевна
Стиль рококо
Жан Антуан Ватто(1684 – 1721)
Буше Франсуа (1703–1770)

План
Термин «рококо», произошедший от французского «рокайль» (буквально: бриллиант и украшение из раковин), появился в конце XVIII века.
Для рококо характерен уход от жизни в мир фантазии, театрализованной игры, мифологических сюжетов, эротических ситуаций.

Стиль рококо
Изысканная жизнь аристократии
«Галантные празднества»
Картины «пастушеской жизни на фоне первозданной природы
Жизнь человека мгновенна быстротечна, а поэтому надо ловить «счастливый миг»
Главные темы живописи рококо
Жан Антуан Ватто(1684 – 1721)
     Для живописи Ватто чрезвычайно характерны театральные, маскарадные элементы.
     Славу ему принесли именно галантные сцены"Галантной можно назвать элегантную праздную кампанию людей, проводящую вместе досуг, немаловажным элементом которого являются флирт и любовные приключению
   Безусловно, гениальным изобретением следует считать включение в композицию подобных сцен персонажей комедии дель арте. Пьеро, Коломбина, Арлекин помогли художнику стереть грань между театром и окружающим миром, между вымыслом и реальностью, намерением и поступком.
Гамма любви (ок. 1715), Национальная галерея, Лондон
Радости жизни
Галантный Арлекин и Коломбина1716-1718. Собрание Уоллес, Лондон.
Французская комедия (1716)
Венецианский праздник (ок. 1718)
Буше Франсуа (Francois Boucher) (1703–1770)
Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи, в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах
Пейзаж в окрестностях Бовэ1740-1745. Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Портрет маркизы де Помпадур1756. Старая Пинакотека, Мюнхен
Мельница в Шаратоне1750-е. Художественный музей, Орлеан.
Художник в своей мастерской1730-е. Музей Лувр, Париж.
Модистка1746. Национальный музей, Стокгольм.
Похищение Европы1732-1734. Собрание Уоллес, Лондон.
Портрет жены художника Мари-Жанне Бюзо1743. Собрание Фрик, Нью-Йорк.
Завтрак1739. Музей Лувр, Париж.


text:
ЖИВОПИСЬ РОССИИ XVIII ВЕКА
Творческая работа ученицы 7А класса МОУ «Золотухинская СОШ» Коноревой Светланы
Иван Петрович Аргунов – мастер портретного жанра
Портрет екатерины ii
Портрет
елизаветы петровны
Иван Петрович Аргунов (1727-1802)
Главным его призванием был портрет.

В 1750 г. художник завершает парадный «Портрет князя И. И. Лобанова-Ростовского», в 1754-м парный к нему «Портрет княгини Е. А. Лобановой-Ростовской». Особенно хорош портрет княгини. Он несколько жестковат по исполнению, что, впрочем, вполне естественно для совсем молодого художника, когда стремление к тщательности и законченности исполнения еще не соединяется со свободой и легкостью. Однако именно эта жесткость в сочетании с построенным на оттенках холодных цветов колоритом (roлубое с серебряными узорами платье, пудреные волосы, горностаевая мантия) придает портрету своеобразную хрупкую прелесть. Писал художник и «исторические» портреты предков своих хозяев — фельдмаршала Б. П. Шереметева, князя А.М. Черкасского. Писал и императриц — Елизавету Петровну и Екатерину II.
В 1770 — 80-е rr. он пишет мало, но именно в это время появляется его едва ли не самое знаменитое произведение — «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме» (1784)— первое такого рода в русском искусстве. Вероятно, изображена действительно женщина из простонародья, возможно кормилица, в этнографически точном наряде крестьянки Московской губернии (а не актриса в театральном «парадном» костюме, как считали некоторые исследователи).

«Девушка в кокошнике» И.П.Аргунов
Портрет Е.Лобановой – Ростовцевой (И.П.Аргунов)
Портрет графа Б.И.Шереметева (И.П.Аргунов)
Рокотов Федор Степанович(1735-1808)
Вся яркая творческая жизнь художника  была связана с Москвой. Именно здесь Рокотов нашел наилучшее применение своему творческому дарованию. Созданный Рокотовым тип портрета — камерный интимный портрет — составляет целую эпоху в русской портретной живописи. Он обладал редким даром, позволяющим мастерски передавать внутренний мир человека, его трепетность и теплоту. Его модели как бы выступают из мерцающего сумрака, черты лица слегка размыты, словно окутаны дымкой. Полотнам мастера присуще богатство оттенков тона, изысканные цветовые сочетания. Мягкие, приглушенные тона создают атмосферу интимности: в его портретах нет ничего показного, внешне эффектного. Художника привлекает внутренняя красота человека. По словам одного из современников, Рокотов с удивительным мастерством умел передавать не только “вид лица”, но и “нежность сердца”.
Парадный портрет Екатерины II (Ф.С.Рокотов)
Портреты А.П.Струйской и графа Г.Орлова (Ф.С.Рокотов)
Левицкий Дмитрий Григорьевич
Левицкий писал исключительно портреты; неизвестно ни одной его работы другого содержания. Число портретов, исполненных им, превышает сто; не менее пятнадцати из работ его в настоящее время неизвестно, где находятся, и может быть погибли
Портретам Дмитрия Григорьевича Левицкого присуща яркая индивидуальность образов
Портреты воспитанниц Смольного института (Д.Г.Левицкий)
 Владимир Лукич Боровиковский

Третий великий русский портретист, пришедший вслед за Ф. С. Рокотовым и Д. Г. Левицким, Боровиковский работал очень много, и наследие его обширно и разнообразно. Он преуспевал и в парадном портрете (многие его произведения в этом жанре почитались за образцы), и в интимном, и в миниатюрном. Он был добросовестен н трудолюбив и все делал отлично: и многочисленные копии, которые ему заказывали не раз, и даже те портреты, в которых от него требовали следовать какому-нибудь модному образцу.
Расцвет его искусства был недолгим - чуть более десятка лет на рубеже XVIII- XIX веков, - но прекрасным. Наиболее ярко его талант раскрылся в серии женских портретов
Портрет М.И.Лопухиной – лучшая работа В.Л.Боровиковского
Портрет княжон Гагариных (В.Л.Боровиковский)
Екатерина II с собачкой (В.Л.Боровиковский)
Портрет князя А.Б.Куракина (В.Л.Боровиковский)


title: Презентация на тему: Живопись Серебряного века

text:
Живопись Серебряного века

"Серебряный век" - это стык двух веков в истории России: XIX и XX. В это время появляются такие художественные направления :
Реализм;
Модернизм
Реализм. В.М. Васнецов
Ви́ктор Миха́йлович Васнецо́в  1848  -1926 — русский художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи.

Гамаюн 1897

Богатыри 1898
Модернизм
Основной принцип модернизма:идея неспособности искусства предшествующих эпох бороться с несвободой и антигуманностью, неспособности запечатлеть все это.

Основная черта модернизма:художник направляет свою волю и творчество на борьбу с жестокой реальностью, стирает границы прежних идеалов.

Модернизм
Модернизм в изобразительном искусстве — это культурный пласт, охватывающий множество понятий:
импрессионизм,
экспрессионизм,
кубизм,
символизм,
футуризм.

Импрессионизм
Импрессиони́зм (от impression — впечатление) — направление в искусстве конца XIX -начала XX веков. Появилось во Франции. Представители стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

В.А. Серов
Валентин Александрович Серо́в (1865—1911) -  русский живописец и график, мастер портрета.

Кузины художника
Экспрессионизм
Экспрессиони́зм (от expressio, «выражение») — течение в модернизме, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора.

«Крик» норвежского художника Эдварда Мунка (1893) — своеобразная витрина искусства экспрессионизма

Марк Шагал график, живописец, театральный художник, иллюстратор
Невеста с веером 1911
Я и деревня 1911
Кубизм
Куби́зм (фр. Cubisme) —модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Лентулов. Василий Блаженный. Звон
Любовь Сергеевна Попова
Портрет философа, 1915
Символизм
Символи́зм (фр. Symbolisme) — одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде во Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность.

М.И. Врубель
Михаил  Александрович Вру́бель (5 марта 1856 –1 апреля 1910) - русский художник рубежа XIX-XX веков, прославивший своё имя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства.

Портрет Н. И. Забелы-Врубель
Царевна-Лебедь
Кузьма́ Серге́евич Петро́в-Во́дкин (1878- 1939) — российский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог.
«Купание красного коня», 1912
Футуризм
Футури́зм (лат. futurum — будущее) — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России. Футуристов интересовало не столько содержание, сколько форма.

К.С. Малевич
Казими́р Севери́нович Мале́вич (11 февраля 1879-15 мая 1935)  русский и советский художник-авангардист польского происхождения.
На бульваре. Около 1930
Черный квадрат


title: Презентация на тему: Живопись России 18 века

text:
Живопись России в 18 веке
Презентация по истории
Щадриной Анны
ПОРТРЕТ
А.П. Антропов
П.С.Дрождин. Портрет А.П. Антропова с сыном перед портретом жены Елены Васильевны
Портрет графини М. А. Румянцевой

Портрет Петра III
Портрет атамана Краснощёкова
Портрет А. М. Измайловой

Портрет княгини Т.А.Трубецкой
И. П. Аргунов
Портрет Екатерины II

Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме
Портрет Екатерины Алексеевны

Портрет Е.А. Лобановой-Ростовской
Ф.С. Рокотов

Портрет неизвестной

Екатерина II
Д.Г. Левицкий
Портрет П. А. Демидова

Екатерина II в виде законодательницы
Автопортрет

Портрет М. А. Дьяковой
В. Л. Боровиковский
Портрет А. Г. и А. А. Лобановых-Ростовских

Портрет сестёр А. Г. и В. Г. Гагариных
Портрет М. И. Лопухиной

Лизонька и Дашенька
ПЕЙЗАЖ
С.Ф. Щедрин

Новый Рим. Замок святого Ангела

Веранда, обвитая виноградом
ГРАФИКА
Ф.Е. Зубов

Апостольская проповедь
Иоанн Предтеча
Царь Михаил Федорович и царь Алексей Михайлович, предстоящие перед образом Спаса Нерукотворного.
А.Ф. Зубов
Торжественное вступление русских войск в Москву после Полтавской победы 21 декабря 1709 г

Панорама Санкт-Петербурга

МОЗАИКА
М.В. Ломоносов

«Полтавская баталия». Мозаика М. В. Ломоносова в здании Академии Наук. Санкт-Петербург. 1762—1764

КРЕСТЬЯНСКИЙ БЫТ
М. Шибанов

Крестьянский обед

Празднество свадебного договора
И. А. Ерменев

Крестьяне за обедом

Нищая с девочкой-поводырем


title: Презентация на тему: Живопись шерстью

text:
Подготовила:  Белешина С.Н.

Санкт-Петербург
2013г.
Живопись шерстью
Живопись шерстью
Техника шерстяной живописи не только нова и интересна, но и очень красива. Изготовление  картин из непряденой шерсти – это очень увлекательное и приятное занятие. Но, как и любое ремесло требует терпения и практики. Главное, усидчивость и желание работать с этим чудесным материалом.
 Прелесть шерстяной живописи заключается  в том, что для её освоения совершенно не обязательно уметь рисовать.  Все ошибки легко исправить, стоит только снять неудачный «мазок» и попытаться выложить шерсть заново. Изображения могут быть  самыми  разнообразными - от цветов и фруктов до портретов людей. Как правило, картины создаются по образцу – это может быть уже готовая картина из шерсти  или любая другая картинка, и даже фотография.

Живопись шерстью
Живопись шерстью - это особый способ создания живописного полотна без использования кисточек, красок, карандашей или воды, методом послойного выкладывания цветной овечьей шерсти.

Живопись шерстью
Для рисования картины шерстью нам понадобится:
 рама нужного размера (она состоит из оргалита (ДВП), стекла, кляймеров-зажимов)
 -размер - 21х30см
- флизелин или фланель или картон (в качестве подложки )
- ножницы (чтобы резать шерсть)
- пинцет (для выкладывания мелких деталей)
- шерсть разных цветов (для фона можно использовать любые другие цвета  (светло-желтый, желтый, оранжевый, розовый, зеленый); для  маков использовано всего 2 цвета  (ярко-красный (алый) и темно-красный)
для листвы, коробочки и стебельков нужна шерсть зеленого, желто-зеленого (или просто светло-зеленого - любой оттенок) и немного коричневого цвета

Живопись шерстью«МАКИ»
Для формирования стебелька мака берем прядку шерсти  зеленого цвета.
№1
№2
Для формирования  лепестков мака нужна  прядь достаточно широкая, или  средней толщины. Берем  алую шерсть.

Укладываем готовые лепестки на поверхность и получается вот такой цветок (форма цветка).

№4
Живопись шерстью
№3
№5
Живопись шерстью
   Для того, чтобы цветок получил объем и стали видны лепестки, понадобится шерсть темно-красного цвета.  Темной шерстью выделяем нижнюю часть цветка и прорисовываем прожилки. Делается это очень просто - отщипываем тонкие прядки и укладываем их в нужном месте. Не забывайте прикладывать стекло - под ним Вы видите конечный результат своих трудов.

№5
Живопись шерстью
В итоге получается вот такой цветок.
Здесь уже есть форма и объем.
№6
Живопись шерстью
Коробочка (нижняя круглая часть) формируется как и лепестки мака - вырезается из пряди зеленого цвета (несколько оттенков зеленого). Чтобы сделать "крышечку" (верхняя часть), прядь зеленой и коричневой шерсти нарезается и укладывается, как на фото.
№7
Живопись шерстью
И вот уже готовая композиция. Зеленые листики у мака прорисовываются очень легко, интуитивно - отрываете короткие прядки и укладываете "лесенкой", формируя резные листочки.
№8
 Перед тем как накрыть картину  стеклом  нужно ещё раз  осмотреть свою работу  и подправить детали, если необходимо. Стекло обязательно тщательно очищаем с двух сторон,  зажимаем картину кляймерами (между стеклом и оргалитом), обрезаем лишнюю шерсть по краям -  и работа готова.

Живопись шерстью
Литература
Фотографии  Александры Фёдоровой "Маки".
Журнал Лена рукоде20лие. Спецвыпуск ,  №1 2011г.
Ия Кокарева - Живописный войлок. Техника. Приемы. Изделия.
Май Мэкки - Картины из шерсти и войлока. Интересные проекты, новая техника.

Творческих успехов!


Презентация на тему: Живопись XVIII века


title: Презентация на тему: Живопись в России 17 века

text:
Русская живопись XVII века

Несмотря на развитую специализацию, 17 век в России стал веком искусства, а не ремесленной подделки.

Деятельностью живописцев руководила Оружейная палата Кремля, ставшая в XVII в. художественным центром страны, куда привлекались лучшие мастера.

Числились они в ведомстве Иконной Палаты Иконного приказа.
Живопись XVII века
В начале 17 века больших успехов добился Прокопий Чирин.
Чирин был уроженцем Новгорода.
Его иконы выполнены в неярких красках, фигуры по контуру очерчены золотой каймой.
Богоматерь Владимирская
Еще одним замечательным русским живописцем 17 века был Назарий Савин. Савин предпочитал фигуры удлиненных пропорций, узкоплечие и длиннобородые.
В 30 годы 17 века Савин возглавил группы иконописцев, написавших иконы для иконостаса церкви Положения Ризы Богородицы и в Московском Кремле.

Богоматерь с младенцем
Положение Ризы Богородицы
В 17 веке русской живописи выделятся особое стремление художников, стремление реалистичного изображения человека.
В России начинает получать распространение такое явление как светская живопись. Светские живописцы 17 века изображали царей, полководцев, бояр.
Светские мотивы
Алексей Михайлович Годунов
 В течение 30 лет живописное дело возглавлял Симон Ушаков (1626-1686). Характерной чертой его творчества был пристальный интерес к изображению человеческого лица.
Симон Ушаков
Иоан Богослов в молчании
Троица верхозаветная
Тайная вечеря
Русская живопись 17 века пронизана противоречиями. Противоречия заключаются в верности традициям, интересу к многосложным рисункам - с одной стороны. С другой – в стремлениях художников к «жиству», любви к мелочам и деталям в иконе и фреске.
   17 век нельзя считать расцветом русской живописи, так     же нельзя и сказать, что русская живопись 17 века была в большом упадке.
Итог


Презентация на тему: Живопись второй половины 18 века


Презентация на тему: Живопись впечатлений. Искусство импрессионистов


Презентация на тему: Жизнь египетского вельможи


Презентация на тему: Живопись на рубеже XIX-XX веков


Презентация на тему: Животные на гербах городов России


Презентация на тему: Живые изгороди


title: Презентация на тему: живоппись

text:
Жанр живописи
Пейзаж морской «Марина – картина о море »
Художник-маринист И. К. Айвазовский (1817-1900)
Сельский пейзаж: Біля хати (Копия А. Киселева)
Юрий Юрьевич Прядко
Городской пейзаж: «Здание перламента на закате»
Клод Моне
Парковый пейзаж: «Осень в архангельском»
Лаповок Владимир Абрамович
Натюрморт «Синий кувшин»
Жансем Жан (1920-1990)
Портрет неизвестной
Макаров Иван Кузьмич
Портрет камерный Л. Шмидт (жены шравера Г.-Ф. Шмидта
Антипьев Петр Антипьевич
Автопортер Рембрандта
Батальный жанр: «Битва при ангиари»
Леонардо да Винчи
Бытовой жанр «Рыбалка с лодки»
Бирштанд Альберт (1830-1902)
Бытовой жанр: «Кофейня в Константинополе»
Айвазовский Иван Константинович
Мифологический: «Амур, стреляющий из лука»  Карла Ванлоо
Исторический: «Фауст и Маргарита»
Альма-Тадема Лоуренс


title: Презентация на тему: Живопись в России в 16 веке

text:
Живопись в России в 16 веке.

Подъём русской национальной культуры нашёл своё выражение в творчестве крупнейшего русского живописца второй половины XV — начала XVI в.— Дионисия. Уже в ранний период своего творчества, в 60—80-х годах XV в., Дионисий создал ряд замечательных фресок в Боровском Пафнутьевом и Иосифо-Волоколамском монастырях и в Успенском соборе в Москве.
Однако вершиной его творчества являются хорошо сохранившиеся до наших дней росписи храма Рождества Богородицы в Белозерском Ферапонтовой монастыре, исполненные Дионисием вместе с сыновьями в 1500—1502 гг. Поразительна прежде всего гармонически уравновешенная композиция фресок, придающая им спокойно-величавый характер. Гибкие, стройные фигуры кажутся лёгкими и одухотворёнными, а нежная гамма светлых и ликующих красок, бирюзовых, сиреневых и т. п., выразительно передаёт радостное мироощущение художника. Конкретность в изображении фигур и окружающей их обстановки предвосхищала появление светского начала, получившего своё развитие в живописи XVI—XVII вв.
Прошедший хорошую школу под руководством Дионисия его сын Феодосий в начале XVI в. занял ведущее место в русской живописи. Под его руководством была исполнена стенопись кремлёвского Благовещенского собора, которая изображала преемственность власти московских князей от киевских, а через них от византийского императора Константина. Крупнейшие (и наиболее хорошо сохранившиеся) композиции этого собора отличаются необычайной смелостью и яркостью изображения. Они принадлежали самому Феодосию. Ряд фресок был написан его братом Владимиром.
В середине XVI в. было создано много замечательных произведений русской монументальной живописи. К их числу, например, принадлежат фрески Покровской церкви Александровой слободы с торжественными и стройными фигурами князей Владимира, Бориса и Глеба. Наиболее крупным произведением монументальной живописи этого периода были фрески Золотой палаты Кремлёвского дворца. Созданные в 1547—1552 гг., они на основных сюжетах «Сказания о князьях Владимирских» должны были символически выразить величие царской власти и христианской церкви.
Со взятием Казани связано создание в 50-х годах ХVI в. грандиозной иконы «Церковь воинствующая». Эта икона, близкая по живописной манере к историческим батальным картинам, изображает торжественное возвращение русских воинов-победителей из объятого пламенем города. По замыслу художника, икона должна была изобразить триумф Ивана Грозного, а в его лице всего православного самодержавия над неверными. Хотя икона имела церковное содержание, в характеристике изображаемых лиц звучат и светские мотивы.
Введение светского элемента в церковную живопись не было единичным явлением. Так, в знаменитой «Четырёхчастной» иконе, созданной в середине XVI в., помимо лиц, причисленных к лику «святых», изображались цари, князья, рядовые священнослужители и даже представители простого народа, т. е. люди, которые «живы суще». Элементы реализма, проникавшие в живопись, находились в противоречии со старыми, привычными канонами и вызывали протесты со стороны поборников старины. К числу их принадлежал дьяк Висковатый, которого смущало, например, что в росписи Золотой палаты рядом со Спасом «написана жёнка, спустя рукава, кабы пляшет». Этот вопрос обсуждался на соборе 1554 г., который вопреки мнению Висковатого признал допустимым в живописи не только каноническое, но и «бытийное» письмо, т. е. исторические сюжеты, а также притчи, допускавшие художественный вымысел. Уступки новому, признанные собором, не переходили, однако, пределов, приемлемых для церкви и «богоустановленного» самодержавия.
Областью живописного творчества, более отвечавшей потребностям демократических слоёв русского общества, являлась миниатюра. В ней начиная с XVI в., помимо религиозных тем, получили распространение исторические и бытовые сюжеты. Таковы например, миниатюры жития Сергия Радонежского, где изображены работы по постройке зданий, земледельческие занятия крестьян, хозяйственная деятельность монастыря, школьные занятия и т. п., а также миниатюры «Лицевого летописного свода».
В последней четверти XVI в. в Москве возникло новое направление русской живописи, получившее благодаря покровительству со стороны Строгановых наименование строгановской школы. Работы мастеров этой школы отличались от произведений монументальной живописи тончайшей миниатюрной техникой, тщательным исполнением мелких деталей. Отвечая вкусам и запросам феодальной верхушки, художники строгановской школы стремились к внешней красивости, изысканности и утончённости фигур, изяществу отделанных золотой штриховкой изображений. Вместе с тем, особенно в произведениях крупнейших представителей этой школы Прокопия Чирина, Истомы и Никифора Савиных и др., заметно стремление к предельной выразительности и повествовательности. Большое внимание к бытовым деталям свидетельствует о проникновении черт реализма, который получает своё дальнейшее развитие в XVII в.


title: Презентация на тему: Живопись XVII века

text:
ЖИВОПИСЬ XVII века

17 век нельзя считать расцветом русской живописи, так же нельзя и сказать, что русская живопись 17 века была в большом упадке. Икона 17 века, конечно, проигрывает в духовности иконам эпохи Андрея Рублева и Феофана Грека, то в гораздо меньшей степени это относиться к фреске. В 17 веке создаются монументальные росписи в Ростовском и Московском Кремле, храмах Ярославля, Вологды, и других русских городов.
Несмотря на развитую специализацию, 17 век русской живописи стал веком искусства, а не ремесленной подделки. Выдающиеся иконописцы проживали в Москве. Числились они  в  ведомстве Иконной Палаты Иконного приказа. В конце 17 века  стали работать мастерами Иконного цеха Оружейной палаты.
В начале 17 века больших успехов добился Прокопий Чирин.  Чирин был уроженцем Новгорода. Его иконы выполнены в неярких красках, фигуры по контуру очерчены золотой каймой, пробелены тончайшим  ассистом.
Еще одним замечательным русским живописцем 17 века был Назарий Савин. Савин предпочитал фигуры удлиненных пропорций, узкоплечие и длиннобородые. В 30 годы 17 века Савин возглавил группы иконописцев, написавших деисусный праздничный и пророческий чины для иконостаса церкви Положения Ризы Богородицы и в Московском Кремле.
В XVII в. процесс обмирщения русской культуры затронул и живопись. Выразилось это как в том, что даже в каноническую иконопись стали проникать светские идеи, так и в том, что появилась собственно мирская (портретная) живопись.В иконописи в то время господствовали два стиля: «годуновский» (по заказам царя Бориса Годунова), главными чертами которого являлись строгое следование канону, и «строгановский» (заказчики - купеческий род Строгановых) — искусство иконной миниатюры, характеризующееся тщательным мелким письмом, изысканностью и богатством орнамента .
Произведения мастеров Оружейной палаты —  Семена Федоровича Ушакова и его учеников (Г. Зиновьева, И. Максимова, Т. Филатьева, К. Уланова) — сочетали в себе традиционные приемы и новаторские идеи – стремление придать изображаемым сюжетам перспективу и объемность. Самым известным творением Семена Ушакова является икона «Спас нерукотворный», передающая с помощью светотени красоту правильного человеческого лица.
Необходимость восстановить внутреннее убранство церквей после интервенции и Смуты привела к последнему взлету фресковой живописи, которая стала чрезвычайно декоративна. Наиболее известными создателями поздней фрески считаются работавшие в Ярославле артели Гурия Никитина, расписавшие церковь Ильи Пророка и Дмитрия Григорьева, украсившие храм Иоанна Предтечи в Толчкове
 Святые мученицы
Богоматерь Владимирская.
Венчальные иконы


title: Презентация на тему: Живопись второй половины 19 века

text:
История России 8 класс.
Живопись второй половины 19 века
Федотова Людмила Ивановна
МКОУ Белоярская СОШ,
Красноярский край

Русская живопись второй половины 19 века решала те же общественные вопросы, что и литература. В ней ведущим стало направление критического реализма.
Одним из крупнейших художников этого направления является Василий Григорьевич Перов. Он сумел с обличительным пафосом показать многие неприглядные стороны современной его жизни.
«Крестный ход на пасху» 1861 г.

«Чаепитие в Мытищах , близ Москвы» 1862

 «Приезд гувернантки в купеческий дом»

«Тройка»

передвижники
В 1863 г. В художественной жизни России произошло из ряда вон выходящее событие. 14 выпускников Академии художеств отказались писать обязательные для получения дипломов картины на сюжет скандинавской мифологии. Не получив разрешение на свободный выбор, бунтари покинули Академию и основали в Петербурге артель художников, которая в 1870 г. Была преобразована в Товарищество передвижных художественных выставок.

Руководителем и теоретиком передвижников был Иван Николаевич Крамской.
 И.Н.Крамской
Крамской вошёл в историю русской живописи прежде всего как выдающийся портретист. Он создал целую серию образов деятелей русской культуры – портреты М.Е. Салтыкова – Щедрина, Н.А.Некрасова, Л.Н.Толстого.
Л.Н.Толстой
Многие произведения
Крамского стоят на грани портрета и тематической картины.

«Неизвестная»

Вершиной реализма в русской живописи второй половины 19 века справедливо считается творчество Ильи Ефимовича Репина и Василия Ивановича Сурикова, полотна которых создали собирательный образ русского народа.

Наиболее громкое общественное звучание имели работы Репина «Бурлаки на Волге», «Не ждали», «Отказ от исповеди», «Арест пропагандиста»
«Бурлаки на Волге»

 «Не ждали»                       «отказ от исповеди»

 «Запорожцы пишут письмо турецкому султану»
В 70-80-х гг. художник
увлёкся историческими
темами. Картина «Запорожцы
пишут письмо турецкому султану» - одна из них.
Василий Иванович суриков
Полотна Сурикова  - это художественно
воссозданная история, главным героем
которой является русский народ.
«Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в
Берёзове», «Боярыня Морозова»,
«Покорение Сибири Ермаком» –
эти картины вошли в золотой фонд
Русской художественной культуры.
«утро стрелецкой казни» 1881.
«Меньшиков в Берёзове»
«Боярыня Морозова»
«покорение Сибири Ермаком» 1895
  «Взятие снежного городка»

Переход Суворова через
Альпы
Степан Разин
 Виктор  Михайлович  Васнецов
К жанру русских народных сказаний
обратился В.М.Васнецов. Его
Картины проникнуты духом народных  сказок. Религиозными исканиями и размышлениями о судьбе народа – богатыря.
       «алёнушка»                        «ива царевич и серый волк»
«витязь на распутье»
«Богатыри»
«После побоища Игоря Святославовича»
Иван Иванович Шишкин
Главным объектом внимания многих
художников стал среднерусский пейзаж,
Суровая природа Русского Севера.
Картины И.И.Шишкина создают
впечатление могущества, силы, величия
русской природы, которая и должна быть  присуща богатырскому народу.

«рожь»
 «Хвойный лес»                                         «опушка леса»
«Утро в сосновом лесу»
Архип иванович куинджи
Особое место в пейзаже второй
половины 19 века занимает Архип
Иванович Куинджи, который был
Мастером поразительных световых
эффектов. «Украинская ночь»,
«Ночь на Днепре», «Берёзовая роща»
         «Украинская ночь»                   «Ночь на Днепре»
«Берёзовая роща»
Иван константинович айвазовский
Иван Константинович Айвазовский больше всего любил изображать море. Его полотна  пользовались огромной популярностью

Ночь. Голубая волна
«Буря на море»
литература
http://images.yandex.ru/yandsearch?p=60&text=%20В.И.Суриков&img_
http://images.yandex.ru/yandsearch?text

Данилов А.А. История России,XIX век. 8 класс:учеб. для образоват. учреждений – М.:
Просвещение 2009.


title: Презентация на тему: Жизнь и творчество Александра Андреевича Иванова

text:
Жизнь и творчество Александра Андреевича Иванова
Отец (Андрей Иванович)

Александр Иванов
      Александр Андреевич Иванов родился 16 июля 1806 года в Петербурге.                             Отец  Андрей Иванович, был профессором Академии художеств.он дал сыну первоначальную подготовку в рисунке и живописи и имел большое влияние на его дальнейшее развитие.
В 1817 году, одиннадцати лет от роду, подготовленный отцом, Александр поступает в Петербургскую Академию Художеств в качестве вольноприходящего ученика и, в отличие от воспитанников Академии, продолжает жить в семье. С Юных лет он обнаруживал поразительные успехи, его работы давали повод подозревать, что он выполнял их с помощью отца. Первый свой успех художник переживает в восемнадцать лет; за картину на сюжет "Илиады" Гомера "Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора" (1824, Государственная Третьяковская галерея) ему присуждают Малую золотую медаль.
Знаменитая картина Александра Ивановича           ,,явление Христа народу”
12 июня 1858 года столичные газеты поместили сообщение: «От Императорской Академии художеств объявляется, что написанная в Риме. Академиком  Ивановым картина “Явление Христа  народу” выставлена в Академии.

Двадцать лет трудился Иванов над своим полотном.Для таких произведений нужен человек с высшим настроением духа и способностью неотлучности прибывать с идеей, пока она вполне не созреет в уме и не выразится художественными средствами на полотне.Именно таким был Иванов, это просвечивало даже в его кратких глазах, утомлённой работой.Картина занимала место высотой 540 сантиметров, а шириной 750 сантиметров.
В мае 1858 года картина ,,явление Христа народу ‘’ прибыла в Санкт-Петербург.Иванову была предоставлена честь отыскать место для своей картины.Его выбор остановился в белом зале зимнего дворца.Позднее картину перенесли в итальянскую галерею Эрмитажа для всеобщего обозрения.


title: Презентация на тему: Жизненный и творческий путь Тютчева

text:
1803-1875

.


Презентация на тему: Жизнь и чудеса Иисуса Христа


title: Презентация на тему: Жизнь и творчество Карла Брюллова

text:
1.
2.


Презентация на тему: Жизнь и творчество Ильи Ефимовича Репина


Презентация на тему: Живопись в древнем мире


Презентация на тему: Жизнь и творчество Андрея Рублева


Презентация на тему: Жизнь и творчество Леонардо да Винчи


Презентация на тему: Жизнь и творчество И.К. Айвазовского


Презентация на тему: Жизнь и творчество Рембрандта


Презентация на тему: ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО Константина Васильевича Иванова