title: Презентация на тему: Возрождение в Венеции (10 класс)

text:
Возрождение в Венеции

Уникальные природные условия во многом определили характерные особенности венецианской архитектуры. Город, расположенный на 118 островах, разделен 160 каналами, через которые переброшено около 400 мостов. Большинство зданий здесь построено на сваях, дома тесно прижимаются друг к другу.
...В объеме чудной панорамы
Плавучие дворцы и храмы,
Как бы на якоре суда,
Как будто ждут, чтоб ветр попутной
Расшевелил их паруса!
Глядит задумчиво и смутно
Дворцов маститая краса!

На их стенах столетий почерк,
 Но нет их прелестям цены,
Когда рисуется их очерк
 Под белым заревом луны.
 Резец твердыням этим мрачным
Дал мягкость, выпуклость и грань,
И словно кружевом прозрачным
 Сквозит их каменная ткань.

Как все таинственно, как странно
 В сем царстве дивной красоты:
На все ложится постоянно
Тень поэтической мечты...
П. А. Вяземский. «Фотография Венеции»
Якопо Сансовино  Библиотека Сан-Марко 1536г Венеция.
При участии известного архитектора Якопо Сансовино (1486— 1570), ученика Браманте, было завершено формирование города. Он выстроил здесь здание новой библиотеки Сан-Марко. Двухэтажное сооружение с ажурным фасадом было оформлено античными ордерными аркадами. В первом этаже за галереей находились торговые помещения, а во втором — собственно библиотека. Большие арки, скульптурные украшения, рельефы на фризах — все это придает зданию особую нарядность и праздничность.
Якопо Сансовино.
Библиотека Сан-Марко. 1536 г. Венеция
Якопо Сансовино  Библиотека Сан-Марко 1536г Венеция.
Андреи Палладио.Вилла «Ротонда». 1551—1567 гг
Крупнейшим архитектором Венеции стал Андреа Палладио (1508—1580), стиль которого отличают совершенство в построении античных ордеров, естественная завершенность и строгая упорядоченность композиций, ясность и целесообразность планировки, связь архитектурных сооружений с окружающей природой.
Дворец Дожей в Венеции
Дворец Дожей в Венеции
Во дворце располагались не только домашние  покои главы города-Дожа. Но и городской и судебный залы, тюрьма. А также гигантская Зала дель Маджорио Консильо - резиденция выбранных народных представителей венецианского парламента.
  Ажурный орнамент в виде решётки производит впечатление восточного, но открытие фасада посредством аркад уже имело в Венеции долгую традицию, достигшую расцвета в строительстве дворцов поздней готики.

Ка д,Оро. Венеция. 1421-1440гг
Ка д,Оро. Венеция. 1421-1440гг
       «Золотой дом»- так переводится Ка д,Оро – одна из самых старых построек Венеции. Он был сооружён по приказу Мариино Контарини, прокурора собора Сан Марко. Название его возникло потому, что первоначально орнамент и скульптурные украшения были позалочены. Впечатление ещё более усиливалось тем, что сияющий синими и красными цветами дом отражался в водах канала.
Джованни Беллини (ок. 1430—1516)
Основоположником венецианской школы живописи по праву считается Джованни Беллини (ок. 1430—1516), стиль которого отличают утонченное благородство и сияющий колорит. Он создал множество картин с изображением мадонн, простых и серьезных, немного задумчивых и всегда печальных. Ему принадлежит ряд портретов современников — именитых граждан Венеции, мечтавших видеть себя запечатленными на полотнах великого мастера.
Вглядитесь в предельно выразительные черты дожа Леонардо Лоредано — главы правительства Венецианской Республики. Сосредоточенный и спокойный, дож изображен с мельчайшими подробностями — от глубоких морщин на старческом лице до богатой парчи одежды. Тонкие черты лица, плотно сжатые губы выдают замкнутость его натуры. Холодные тона парадного облачения четко выступают на лазоревом фоне. Художник мастерски сумел воплотить черты человека, вошедшего в историю как гонитель науки и просвещения.
Джованни Беллини.
Портрет дожа Леонардо Лоредано. 1501г
Национальная галерея, Лондон
Беллини было множество учеников, которым он щедро передавал свой богатый творческий опыт. Среди них особо выделялись два художника — Джорджоне и Тициан.
Жизнь   Джорджоне   (1476/1477—1510),   окутана тайной, была короткой и яркой. В мастерстве он соперничал с самим Леонардо. По свидетельству Вазари,

«природа наделила его талантом столь легким и счастливым, его колорит в масле и фреске был то живым и ярким, то иногда мягким и ровным и настолько растушеванным в переходах от свет; к тени, что многие из тогдашних мастеров признавали в нем художника, рожденного для того, чтобы вдохнуть жизнь в фигуры...»
Джорджоне. Юдифь.
            1502 г
Прекрасная и кроткая Юдифь вовсе не воинственна. Ее взор обращен к земле, а в cми- ренной позе нет и намека на жестокость и насилия. Напротив, она воспринимается как олицетворена высшей справедливости и милосердия.
Неужели художник забыл о библейском сюжете? Единственное, что напоминает о нем, — это жуткий трофей, который Юдифь осторожно попирает ногой! Нам трудно поверить, что эта женщина могла совершить столь жестокое убийство. Юдифь не наслаждается одержанной победой, а прикрыла глаза и слушает, слегка улыбаясь уголками губ. В этом одухотворенном образе есть все: нежность и достоинство, кротость и сожаление, внутренняя сила и обаяние.
   Настроение картины усиливает лирический пeйзаж. Нежный воздушный фон, едва розовеющее утреннее небо, мощный ствол дерева, срезанного краем рамы, тщательно прорисованная растительность призваны создать элегичное настроение и привлечь внимание к психологическому аспекту библейской легенды.
Джорджоне. Юдифь. 1502 г.
Подлинным шедевром творчества Джорджоне является «Спящая Венера» — один из самых совершенных женских образов эпохи Возрождения. Посреди холмистого луга на темно-красном покрывале лежит античная богиня любви и красоты Венера.
Джорджоне. Спящая Венера. 1507'—1508 гг.
Джорджоне. Спящая Венера. 1507'—1508 гг.Картинная галерея, Дрезден
Она безмятежно спит. Особую возвышенность и целомудрие этому образу придает картина природы. За спиной Венеры, на горизонте, — просторное небо с белыми облаками, невысокая гряда голубых гор, пологая тропа, ведущая на поросший растительностью холм. Отвесная скала, причудливый профиль холма, вторящий очертаниям фигуры богини, группа кажущихся необитаемыми строений, травы и цветы на лугу тщательно выполнены художником. Глядя на эту картину, хочется повторить вслед за А. С. Пушкиным:
Все в ней гармония, все диво, Все выше мира и страстей. Она покоится стыдливо В красе торжественной своей.
Под впечатлением от «Спящей Венеры» Джорджоне художники разных поколений — Тициан и Дюрер, Пуссен и Веласкес, Рембрандт и Рубенс, Гоген и Мане — создали свои произведения на этот сюжет.
Художественный мир Тициана
Испанский художник XVII в. Диего Веласкес писал:
«В Венеции — все совершенство красоты! Я отдаю первое место живописи, знаменосцем которой является Тициан».
Тициан прожил долгую (почти век!) жизнь (1477—1576) и завоевал всемирную славу наравне с другими титанами Высокого Возрождения. Его современниками были Колумб и Коперник, Шекспир и Джордано Бруно. В девять лет он был отдан в мастерскую мозаичиста, учился в Венеции у Беллини, позднее стал помощником Джорджоне. Обширно творческое наследие художника, обладавшего кипучим темпераментом и удивительным трудолюбием. Работая в самых различных жанрах, он сумел выразить дух и настроение своей эпохи.
Тициан.
Автопортрет. 1567—1568 гг. Прадо, Мадрид
Каким был Тициан? Посмотрите на его автопортрет (1567—1568), выполненный в 90-летнем возрасте. Мы видим высокого старика с крупными мужественными чертами лица. Он чуть ссутулился под тяжестью темной складчатой одежды. Узкая полоска воротника врезается, как луч, в пышную серебристую бороду. Черная шапочка подчеркивает напряженность его крепкого профиля. Пальцы правой руки нежно сжимают хрупкую кисть. Несомненно, перед нами деятельная, творческая натура, полная жажды жизни. Художник подался вперед, как будто вглядываясь в лицо собеседника. Величав и спокоен проницательный взгляд человека, умудренного жизненным опытом. Черное одеяние богато и изысканно, оно гармонично сочетается с серебристой гаммой общего колорита.
О мастерстве колорита Тициана написано великое множество исследований.
циан.
Автопортрет. 67—1568 гг. Прадо, Мадрид
«В колорите он не имеет себе равных... он идет в ногу с самой природой. В его картинах цвет соперничает и играет с тенями, как это происходит в самой природе» (Л. Дольче).
«Венера Урбинская»
Тициан.
Венера Урбинская, 1538 г.
Галерея. Уффици, Флоренция
«Венера Урбинская»— подлинный шедевр художника. Об этой картине современники говорили, что Тициан, в отличие от Джорджоне, под влиянием которого он, безусловно, находился, «раскрыл глаза Венере и мы увидели влажный взор влюбленной женщины, обещающей большое счастье». Действительно, он воспел сияющую красоту женщины, написав ее в интерьере богатого венецианского дома. На заднем плане две служанки заняты домашними делами: они вынимают из большого сундука туалеты для своей госпожи. В ногах Венеры, свернувшись комочком, дремлет маленькая собачка. Все обыденно, просто и естественно и вместе с тем возвышенно-символично .
Прекрасно лицо лежащей на спальном ложе женщины. Горделиво и спокойно смотрит она прямо на зрителя, ничуть не смущаясь своей ослепительной красоты. На ее теле почти нет теней, а смятая простыня лишь подчеркивает грациозную стройность и теплоту ее упругого тела. Красная ткань под простыней, красная занавеска, красная одежда одной из служанок, ковры такого же цвета создают горячий и трепетный колорит.
Картина полна символики. Венера — богиня супружеской любви, об этом говорят многие детали. Ваза с миртом на окне символизирует постоянство, роза в руке у Венеры — знак долгой любви, а свернувшаяся у ее ног собачка — традиционный символ верности.
«Кающаяся Мария Магдалина»
В картине Тициана «Кающаяся Мария Магдалина» запечатлена великая грешница, которая некогда омыла слезами ноги Христа и была им великодушно прощена. С тех пор до самой смерти Иисуса Мария Магдалина не покидала его. Она же поведала людям о его чудесном Воскресении. Отложив в сторону книгу Священного Писания, она истово молится, устремляя взоры к небу. Ее заплаканное лицо, волны густых распущенных волос, выразительный жест прижатой к груди красивой руки, простые одежды написаны художником с особой тщательностью и мастерством. Рядом изображены стеклянный кувшин и череп — символическое напоминание о быстротечности земной жизни и смерти. Мрачное грозовое небо, скалистые горы и раскачивающиеся от ветра деревья подчеркивают драматизм происходящего.
Тициан.
Кающаяся Мария Магдалина. Около 1565 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Портрет юноши с перчаткой» — одно из лучших творений Тициана. Преобладающие строгие, темные тона призваны усилить ощущение тревоги и напряжения. Выхваченные светом руки и лицо позволяют более внимательно приглядеться к портретируемому. Несомненно, перед нами одухотворенная личность, которой присущи интеллект, благородстви в то же время — горечь сомнений и разочарований. В глазах юноши тревожное раздумье о жизни, душевное смятение человека смелого и решительного. Напряженный взгляд «в себя» свидетельствует о трагическом разладе души, о мучительных поисках своего «я».
В последние годы жизни, в совершенстве овладев стихией цвета, Тициан работал в особой манере. Вот как рассказывал об этом один из его учеников:о

Тициан работал в особой манере. Вот как рассказывал об этом один из его учеников:
«Тициан покрывал свои холсты красочной массой, как бы служившей... фундаментом для того, что он хотел в дальнейшем выразить. Я сам видел такие энергично сделанные подмалевки, исполненные густо насыщенной кистью либо в чистом красном тоне', который призван был наметить полутон, либо белилами. Той же кистью, окуная ее то в красную, то в черную, то в желтую краску, он вырабатывал рельеф освещенных частей. С этим же великим умением, при помощи всего лишь четырех цветов вызывал он из небытия обещание прекрасной фигуры... Последние ретуши он наводил легкими ударами пальцев, сглаживая переходы от ярчайших бликов к полутонам и втирая один тон в другой. Иногда тем же пальцем он наносил густую тень в какой-либо угол, чтобы усилить это место... К концу он поистине писал больше пальцами, нежели кистью».

Семенкова Наталья Станиславовна
МОУ «Сосновская СОШ»


title: Презентация на тему: Времена года в живописи

text:
Времена года в живописи
Зима
Кустодиев Борис Михайлович                «Крещенское водосвятие»
Шишкин И.И.  «Зима»
Васнецов А.М. «Зимний сон»
Саврасов А.К.   « Зимний пейзаж»
Весна
Грабарь И.Э. «Мартовский снег»
Крымов Н.П. «Мартовский мороз»
Левитан И.И. «Последний снег»
Венецианов А.Г. «На пашне. Весна»
Левитан И.И. «Белая сирень»
Бакшаев В.Н. «Голубая весна»
Борисов-Мусатов В.Э. «Весна»
Лето
Кустодиев Б.М. «Лето. Провинция.»
Левитан И.И. «Июньский день»
Юон К.Ф «Июль. Купание.»
Щербаков Б.В. «Июнь в Подмосковье»
Лактионов А.И. «Летом»
Осень
Левитан И.И. «В лесу. Осень»
Левитан. И.И. «Дубовая роща. Осень.»
Левитан И.И. «Золотая осень. Слобдка»
Шишкин И.И. «Осень»
Левитан И.И. «Осень. Мельница»
Виноградов С.А. «В усадьбе осенью»
Левитан И.И. «Солнечный день»
Левитан И.И. «Поздняя осень»


title: Презентация на тему: Времена года. Палитра цветов

text:
Времена года.
Палитра цветов.

 Презентация
к уроку изобразительного искусства
в 1 классе.
Наш мир прекрасен и удивителен . . .
Почему?
Сравни
Сколько вокруг цветов?

Поиграем!
«Кто больше назовёт цветов?»
Какие цвета использует художник при изображении осени?
Исаак Левитан «Золотая осень»
 Жёлтый
 Красный
 Оранжевый
 Коричневый
Какие цвета использует художник при изображении зимы?
Иван Шишкин «На севере диком»
Синий
Голубой
Белый
  Какие цвета использует художник при изображения весны?
Алексей Саврасов «Домик в провинции. Весна
Алексей Саврасов «Грачи прилетели»
Зелёный
Коричневый
Какие цвета использует художник при изображении лета?
Исаак Левитан «Берёзовая роща»
Многоцветье
Запомни
Палитра цветов - набор цветов, которые художник использует при написании картины.
Порисуем!
Нарисуй волшебный цветок любимого времени года
Детские работы
Авдеенкова Саша
Цветок лета
Цветок зимы
     Решетнёв
         Влад
Цветок осени
Боброва
Аня
Цветок  весны
Челуснов
Игорь
Молодцы!
Материалы из Википедии
 Изображения и фотографии из интернета
 Репродукции картин Шишкина И. И.; Саврасова А. К.; Левитана И. И.
 Детские работы учеников 1-х классов МС(п)О школы № 7 г. Ярцево
Неменская Л.А. Искусство и ты. Учебник для 1 класса начальной школы. – М.: «Просвещение» 2001.

Рекомендуемая литература
Курсовую работу
подготовила
учитель изобразительного искусства
МС(п)ОШ № 7
г. Ярцево
Матвеева
Ирина Геннадьевна


title: Презентация на тему: Врубель Михаил Александрович 1856-1910

text:
Михаил Александрович родился 5 марта 1856 года в Омске, в семье строевого офицера. Матерью художника была датчанка.
Отец желал для Михаила надёжного и обеспеченного будущего, и потому после гимназии 18-летний Михаил поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Он был совершенно равнодушен к юридическим наукам. Он всерьёз увлекался философией, влюблялся в оперных актрис, спорил об искусстве и много рисовал.
В возрасте 23 лет Михаил окончил университет с золотой медалью. После этого отбыл воинскую повинность, получив чин бомбардира запаса.
«Пирующие римляне».
«Введение во храм»
Летящий демон
Демон сидящий
Жена художника, (1898)
В начале 1902 года у художника появились признаки психического, или как говорили в то время, душевного расстройства.
11 марта знаменитый психиатр Владимир Бехтерев поставил диагноз, сказав, что болезнь неизлечима. Жена увезла Врубеля на дачу в Рязанскую губернию.

С апреля до конца августа он лечился в Москве. Он был в столь буйном состоянии, что его с трудом могли удержать четверо санитаров.
В 1905 году болезнь обострилась.
В 1906 году Михаила Врубеля перевезли в клинику доктора Бари на Васильевском острове, где он провёл последние годы жизни.

Надгробный плач.
Гадалка.
1 апреля 1910 года Врубель скончался.
3 апреля состоялись похороны на кладбище Новодевичьего монастыря в Санкт-Петербурге. Вдохновенную речь на похоронах произнёс Александр Блок, назвав художника «вестником иных миров». А. Блок над могилой Врубеля сказал: «Он оставил нам своих Демонов, как заклинателей против лилового зла, против ночи. Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим».
Царевна -лебедь
В 1913 году рядом похоронили его жену, Н. И. Забелу-Врубель.
В 1935—1936 годах предполагался перенос могилы Врубеля в музейный некрополь Александро-Невской лавры, однако этот план не был осуществлён. Примерно в 2000 году фотограф Валерий Плотников нашёл заброшенную могилу Михаила Врубеля и стал ухаживать за ней, привёл в порядок.
Дама в лиловом. Портрет Н. И. Забелы -Врубель
Утро (1897)
В Омске на левом берегу Оми есть сквер Врубеля.
Памятник в Омске возле Музея изобразительных искусств.
В Киеве есть мемориальная доска в честь М. А. Врубеля
В Москве, в посёлке Сокол, имеется улица Врубеля.
В Воронеже есть улица Врубеля.
В Москве имеется детская художественная школа им. М. А. Врубеля
Музей изобразительных искусств им. Врубеля. Омск


title: Презентация на тему: Врубель, Михаил Александрович

text:
Click to edit Master title style
Click to edit Master text styles
Second level
Third level
Fourth level
Fifth level


Презентация на тему: Все дети любят рисовать


Презентация на тему: Все подвиги Геракла


title: Презентация на тему: В.М.Васнецов

text:
Click to edit Master title style
Click to edit Master text styles
Second level
Third level
Fourth level
Fifth level
Click to edit Master title style
Click to edit Master text styles
Second level
Third level
Fourth level
Fifth level


Презентация на тему: Все подвиги Геракл совершил на службе


Презентация на тему: Все народы воспевают мудрость старости


Презентация на тему: Всепрощающая любовь


Презентация на тему: В театре Чехова


Презентация на тему: Все народы воспевают материнство


Презентация на тему: Все народы воспевает красоту родного края. Пейзаж в картинах художников Осетии


Презентация на тему: Возрождение храма Вознесения Господня


Презентация на тему: Вучетич Евгений Викторович (1908-1974)


title: Презентация на тему: Время года в произведениях поэтов, художников, композиторов

text:
«ВРЕМЕНА ГОДА в произведенияхПоэтов, художников, композиторов»
композитор
художник
поэт
ЗВУКИ
КРАСКИ
СЛОВА
композитор  АНТОНИО     ВИВАЛЬДИ
      Скрипичный концерт «Времена года»
Весна
Лето
Осень
Зима
С Горочки на саночках
В ЛОБ СНЕЖКОМ
«ВРЕМЕНА ГОДА в произведенияхПоэтов, художников, композиторов»


title: Презентация на тему: Всероссийская олимпиада по искусству

text:
1
2
3
4
1
2
3
4


Презентация на тему: Вузы культуры и искусства


Презентация на тему: "Вторичное сырье"


Презентация на тему: Введение в искусство архитектуры. Архитектура и её функции в жизни людей


Презентация на тему: В Своем Доме Художник – Я


Презентация на тему: Введение в мировую художественную культуру


Презентация на тему: В.В.Мешков (1893-1963 г.) «Золотая осень в Карелии»


Презентация на тему: Выдающиеся архитектурные объекты Санкт-Петербурга


Презентация на тему: В.В. Растрелли


Презентация на тему: Выдающиеся личности Башкортостана в области искусства


Презентация на тему: Выдающиеся скульпторы Древней Греции и Древнего Рима


Презентация на тему: Выколотка. Чеканка. Гравировка


title: Презентация на тему: Выдающиеся памятники древнерусской письменности

text:
1314
1392
1682

1653
1663
1664
1666
1667
1682


Презентация на тему: Выдающиеся женщины - художницы


Презентация на тему: Возрождение национальных традиций


Презентация на тему: Выполнение эскиза росписи пасхального яйца


Презентация на тему: Введение в инженерную графику


Презентация на тему: Введение во храм Пресвятой Богородицы


title: Презентация на тему: Вышитые картины в интерьере дома

text:
5
4
3
2
1

5
4
3
2
1


Презентация на тему: Вышивка крестом


title: Презентация на тему: В. Серов «Въезд Александра Невского во Псков»

text:
В. Серов «Въезд Александра Невского во Псков»
Памятник Александру Невскому
П. Корин Александр Невский

В. Серов «Солдатушки, бравы ребятушки»
И. К. Айвазовский . Девятый вал
И. К. Айвазовский. Морское сражение при Наварине

 И. К. Айвазовский. Синопский бой.  Ночь после боя
Герой –
 Александр Невский (русский князь, великий полководец)
Герои  -
русские солдаты
Герои
Карибского моря
Классическая музыка
Народная музыка
Современная музыка


title: Презентация на тему: В.В. Кандинский — российский отец мирового абстракционизма

text:
В.В. Кандинский — российский отец мирового абстракционизма
«Живопись есть грохочущее столкновение различных миров, призванных... между собою создать новый мир, который зовется произведением». В.В. Кандинский
Абстракционизм Василия Кандинского: поиски духовности
В.В. Кандинский
Кандинский принадлежит к числу наиболее ярких личностей в мире живописи. Он — один из основоположников абстракционизма, создатель огромного количества картин, автор нескольких книг об искусстве и неутомимый исследователь-этнограф. Кто-то называл его сумасшедшим, кто-то — шаманом, но кто мог усомниться в его гениальности? Кандинский «взорвал» представление о живописи подобно тому, как в свое время изменил отношение к скульптуре Микеланджело.
Кратко об основателе абстракционизма
            Василий Васильевич Кандинский (1866-1944 гг.) окончил Академию художеств в Мюнхене, в одном из центров европейского искусства. Туда он поступил в возрасте уже тридцати четырех лет (1900 г.), после того как оставил науку, отказавшись от предложенного ему места профессора юриспруденции в Дерптском университете (г. Тарту). На этот шаг повлияло сильное потрясение картиной Клода Моне «Стог сена» на выставке французский импрессионистов в Москве, а также впечатление от оперы Рихарда Вагнера «Лоэнгрин», прошедшей в Большом театре.
            К абстракционизму Кандинский пришел через импрессионизм – его ранние работы выполнены в этом стиле. Первая абстракция появилась в 1910 году, а в 1912-ом вышла в свет его книга «О духовном в искусстве», первое теоретическое обоснование нового направления.

Об искусстве, современном Кандинскому
Отрывки из книги «О духовном в искусстве»
…Это произведение [до этого момента в книге художника дано описание выставки реалистической живописи. – примечание С.П.] осматривается холодными глазами и равнодушной душой. Знатоки восхищаются "ремеслом" (как восхищаются канатным плясуном), наслаждаются "живописностью" (как наслаждаются паштетом).
Голодные души уходят голодными.
Толпа бродит по залам и находит, что полотна "милы" и "великолепны". Человек, который мог бы сказать что-то, ничего человеку не сказал, и тот, кто мог бы слышать, ничего не услышал.
Это состояние, искусства называется I'art pour l'art [с фр. «искусство для искусства», - примеч. С.П.]

О повороте к духовному
            Как пишет Кандинский, в литературе на пути к духовному уже стоит Метерлинк (собственно литературное средство – слово, его звучание). В музыке - Вагнер (мотив). Еще Дебюсси (духовные импрессии; Клода Дебюсси считают импрессионистом в музыке), Арнольд Шенберг, который отказался от «привычно-красивого» ради внутренней красоты. В живописи – это Сезанн (форма): «Он умел из чайной чашки создать одушевленное существо или, вернее сказать, увидеть существо этой чашки». Еще Анри Матисс (форма и цвет) и Пикассо, который также полностью отказался от внешней красоты.
            Кандинский утверждает, что искусство должно также отвергнуть внешнюю красоту для того, чтобы явить внутренне прекрасное. Но это прекрасное может показаться уродством неподготовленному зрителю.]

 О психическом действие цвета
Цвет является средством, которым можно непосредственно влиять на душу. Цвет - это клавиш; глаз - молоточек; душа - многострунный рояль.
Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу.

О «трех мистических необходимостях», влияющих на создание произведения:
1) каждый художник, как творец, должен выразить то, что ему свойственно […];
2) каждый художник, как дитя своей эпохи, должен выразить то, что присуще этой эпохе […];
3) каждый художник, как служитель искусства, должен давать то, что свойственно искусству вообще […].

Работы Кандинского представлены во многих музеях мира и частных коллекциях.
Базель, Швейцария, Коллекция Эрнста Байелера (2)Баку, Азербайджанский государственный музей искусств (1)Берн, Швейцария, Художественный музей (1)Вашингтон, США, Национальная художественная галерея (2)Вупперталь, Германия, Музей фон дер Хейдт (1)Гамбургская художественная галерея (1)Дюссельдорф, Художественные собрания земли Северный Рейн-Вестфалия (4)Екатеринбургский музей изобразительных искусств (1)Ереван, Армения, Национальная галерея Армении (2)Кельн, Музей Людвига (2)Мадрид, коллекция баронессы Тиссен (7)Москва, Государственная Третьяковская галерея (13)Мюнхен, Городская галерея в Ленбаххаузе (53)Нью-Йорк, Музей современного искусства (18)Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхайма (31)Париж, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду (17)Пасадена, Калифорния, США. Музей Нортона Симона (1)Роттердам, музей Бойманса — ван Бёнингена (3)Сан-Франциско, США, Музей современного искусства (1)Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж (4)Санкт-Петербург, Русский Музей (3)Цюрих, частная коллекция (1)Частная коллекция (1)Чикаго, США, Институт искусствв (10)Швейцария, коллекция Мерцбахер (4)Швейцария, частная коллекция (1)Штутгарт. Государственная галерея (1)Неизв. (39)

Работы
Работы В. Кандинского
В. Кандинский. «Избранные труды по теории искусства в 2 томах»
В. Кандинский, Ф. Марк. «Синий всадник»
Прочее
Н. Автономова. «Кандинский и художественная жизнь России начала 1910-х годов»
H. Автономова, .... «Многогранный мир Кандинского» (Сборник статей)
И. Азизян. «Василий Кандинский: Полилог искусства и науки»
И. Аронов. «Кандинский. Истоки»
В. Бараев. «Древо: декабристы и семейство Кандинских»
Д. Берестовская. «Павел Флоренский и Василий Кандинский: лики прекрасного»
Н. Дружкова. «Теоретические основы педагогики искусства В. Кандинского»
Н. Лазарева. «Художественные миры А. Скрябина и В. Кандинского: на перекрёстке параллелей»
А. Медведев. «Духовная пирамида Василия Кандинского»
А. Раппапорт. «Кандинский в Лондоне»
Д. Сарабьянов. «Кандинский и русский символизм»
В. Шалабин. «Василий Кандинский — художник, этнограф и шаман»


title: Презентация на тему: В стране Вальса

text:
Концертмейстер:   Ювко Анжела   Александровна

МБОУ ДОД «Бокситогорская детская школа искусств»
Презентация урока учащихся 2 кл. хореографического отделения. Предмет: «Классический танец».Тема  урока: «В стране Вальса»

Тип урока:
углубление знаний.

Форма урока:
 групповая.

Цели урока:
- познакомить детей с историей вальса, расширить представление о многообразии жанра;
- способствовать воспитанию у учащихся чувства прекрасного, любви  к искусству в целом.

Методы:
- по источнику получения знаний – словесный;
- по характеру познавательной деятельности – информационно-развивающий, объяснительно-иллюстративный, частично - поисковый.
Предварительная подготовка:
 подбор литературы, аудио и видеозаписей, картин с изображением танцев.
Оборудование:
- фортепиано;
- мультимедийное оборудование;
- проигрыватель СD дисков.
Ученики должны знать:
- термины классического танца;
- комбинации движений у станка и на середине зала.

                                             План    урока
        Общее время урока – 45 мин.
I. Организационный момент – 5 мин.
II. Основная часть:
1.Повторение и закрепление ранее изученного материала  -  15мин.
- Экзерсиз у станка
- Растяжка
- Port de bras
2. Сообщение новых знаний и обобщение их с ранее изученными– 20 мин.
- Рассказ о вальсе с музыкальными примерами
- Просмотр видео (балет "Шопениана" Вальс № 7 в исполнении балетной группы Мариинского театра)
- Просмотр иллюстрации Алексея де Лямина «Первый вальс».
- Игра «Угадай жанр произведения»
- Демонстрация основного движения «Вальсовая дорожка» под музыку
III. Подведение итогов урока, выставление оценок, поклон – 5 мин.

                    Экзерсис у станка
                                растяжка
                       Port de bras
Рассказ о вальсе с музыкальными                                примерами
Просмотр видео (балет "Шопениана" Вальс № 7 в исполнении балетной группы Мариинского театра)
Просмотр иллюстрации Алексея де Лямина «Первый вальс».
Еще звучит в моих ушах
Седьмого вальса легкий шаг.
Как вешний ветерок,
Как трепетанье птичьих крыл,
Как мир, который я открыл
В сплетенье нотных строк.
Еще звучит тот вальс во мне,
Как облако в голубизне,
Как родничок в траве,
Как сон, что вижу наяву,
Как весть о том, что я живу.
                                           Л.Озеров
           Игра «Угадай жанр произведения»
Демонстрация «Вальсовой дорожки»
Подведение итогов урока, поклон
О Вальсе сказано немало,
     Он в песнях и стихах воспет.
     И сколько б танцев не бывало
      А лучше Вальса, право, нет!
           Е. Евтушенко


title: Презентация на тему: Врубель Михаил Александрович

text:
Врубель Михаил Александрович
ЖИЗНЬ И  ТВОРЧЕСТВО ВЕЛИКОГО РУССКОГО ХУДОЖНИКА.
            АВТОР:  АВСЕТОВ  АСЛАН
Врубель Михаил Александрович
Михаи́л Алекса́ндрович Вру́бель (польск. Wróbel; 5 (17) марта 1856, Омск — 1 (14) апреля 1910, Санкт-Петербург) — русский художник рубежа XIX—XX веков, мастер универсальных возможностей, прославивший своё имя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Он был известен как автор живописных полотен, декоративных панно, фресок, книжных иллюстраций.
Был женат на известной певице Н. И. Забеле, портреты которой неоднократно писал.
Автор: Авсетов Аслан                                                                                Материалы: wikipedia.org
Биография
Детство
Михаил Александрович Врубель родился 5 (17) марта 1856 года в Омске, в семье строевого офицера, участника Крымской кампании, который впоследствии стал военным юристом. Предки со стороны его отца были выходцами из прусской Польши («wróbel» по-польски — воробей). Матерью художника была датчанка.
По службе его отец должен был часто переезжать — Омск, Астрахань, Петербург, Одесса. В учебных заведениях этих городов он проявлял разнообразные склонности к наукам:
…в гимназические годы в Петербурге (Пятая гимназия у Аларчина моста) и в Одессе (Ришельевская) отвлекают брата значительно от любимого искусства; он увлекается в первой естествоведением (причём, между прочим, формует из мела целую систему кристаллов), а во второй — историей, по которой пишет, сверх нормы, большие сочинения на темы из античной жизни и средневековья
— Из воспоминаний А. А. Врубель, сестры художника
С начала января 1864 года по апрель 1867 года семья Врубелей жила в Саратове, где отец Михаила был командиром Саратовского губернского батальона. В эти годы юный Михаил Врубель занимался у известного в Саратове художника, выпускника Академии художеств А. С. Година. Предметы гимназического курса ему преподавал Н. А. Песков, исключённый из Казанского университета «за участие в студенческих беспорядках». В мае 1867 года семья Врубеля вновь переезжает в Петербург.
В 1874 году окончил Ришельевскую классическую гимназию в Одессе.
Фреска «Богоматерь»
в Кирилловской церкви
Биография
Отец желал для Михаила надёжного и обеспеченного будущего, успешной карьеры, и потому после гимназии 18-летний Михаил поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Он был совершенно равнодушен к юридическим наукам. Все его интересы были за университетскими стенами. Он всерьёз увлекался философией Канта, влюблялся в оперных актрис, спорил об искусстве, всегда оставаясь при этом сторонником так называемого «чистого искусства», и много рисовал. Он посещал в Академии художеств вечерний класс П. П. Чистякова, который учил Василия Поленова и Валентина Серова, Репина и Сурикова, и Виктора Васнецова. От университетских лет сохранились его иллюстрации к Тургеневу и Толстому, и среди них — знаменитая сцена свидания Карениной с сыном — изящная и красивая, но в которой Анна получилась больше похожей на роковую и демоническую женщину, чем на простую и милую Анну Льва Толстого.
В 1879 году в возрасте 23 лет Михаил окончил университет с золотой медалью. После этого отбыл воинскую повинность, получив чин бомбардира запаса. Недолго работал в главном военно-судном управлении.
Университет
Демон сидящий
Императорская Академия художеств
Биография
Осенью 1880 года Михаил был зачислен вольнослушателем в Императорскую Академию художеств, где занимался опять же в классе Павла Чистякова. Он сразу начал выделяться среди прочих студентов необычностью стиля и оригинальным взглядом на классические сюжеты (импрессионизм) — достаточно посмотреть на его первые акварели — «Введение во храм» и «Пирующие римляне». Из рассеянного и легкомысленного студента он превратился в фанатика своей работы. «Надо работать и работать», — с какой-то незнакомой прежде педантичностью обращался он к сестре. Познакомился и сблизился с Валентином Серовым. Наравне с Серовым, Врубель был одним из самых преданных и одним из самых отличаемых учеников Чистякова, который надолго стал его кумиром. Именно от него он унаследовал любовь к натуре, к рисунку, к обнажению формы и к классике.
Императорская Академия художеств
Портрет артисток Татьяны Любатович в роли Гензеля и Надежды Забелы
В 1884 году профессор А. В. Прахов по рекомендации Павла Чистякова пригласил Врубеля в Киев для работы над реставрацией Кирилловской церкви XII века. Для мраморного иконостаса храма Врубель написал иконы «Афанасий», «Богоматерь», «Христос» и «Кирилл». Кроме того он создал стенные росписи. Также реставрировал росписи в куполе собора Св. Софии.
Были выполнены эскизы для Владимирского собора, однако Врубель так и не приступил к росписи (ранее он выполнил для собора лишь некоторые орнаменты). Работы в Киеве с перерывами продолжались до 1889 года.
В 1886 году состоялось знакомство с Константином Коровиным. В том же году во время очередного приезда в Киев Врубель написал картину «Девочка на фоне персидского ковра» (КМРИ). На портрете изображена дочь владельца ссудной кассы в Киеве.
С сентября 1889 года жил в Москве, поселившись у Коровина. Работает в мастерской в доме Черненкона Долгоруковской улице вместе с Серовым и Коровиным. Осенью Врубель познакомился с предпринимателем и известным меценатом Саввой Мамонтовым. С декабря переехал жить в его дом на Садовой-Спасской улице.

Биография
Самостоятельная работа
Царевна-Лебедь(1900, ГТГ)
Абрамцевский период (1890—1893)
Врубель выступал в роли архитектора и мастера прикладного искусства — создал проект фасада дома С. И. Мамонтова на Садово-Спасской улице в Москве (1891), а для ворот дома Мамонтова в Москве — декоративную скульптуру «Маска льва».
Биография
В 1894 году получил заказ на оформление особняка Саввы Морозова. В оформлении особняков С. Т. Морозова на Спиридоновке и А. В. Морозова в Подсосенском переулке Врубель работал вместе с самым значительным архитектором московского модерна Фёдором Шехтелем.
В 1895 году стал членом Московского товарищества художников и участвовал в 3-й выставке объединения.

Участвовал в оформлении спектаклей Русской частной оперы Саввы Мамонтова, а в конце декабря 1895 вместе с труппой уехал на гастроли в Санкт-Петербург. Там в Панаевском театре на Адмиралтейской набережной на репетиции оперного спектакля Э. Гумпердинка «Гензель и Гретель» Михаил познакомился с певицей Надеждой Забелой, своей будущей женой.
Женитьба, дальнейшая работа (1894—1901)
Особняк Морозова на Спиридоновке
28 июля 1896 года в Женеве Михаил Врубель и Надежда Забела обвенчались. После этого молодожёны уехали в Люцерн,  где Врубель продолжил работу над панно для готического кабинета А. В. Морозова.
С февраля по апрель 1898 года участвовал вместе с женой в гастролях Русской частной оперы С. И. Мамонтова в Санкт-Петербурге. Сблизился с композитором Н. А. Римским-Корсаковым. Тогда же Врубель познакомился с группой художников будущего объединения «Мир искусства». Его пригласили участвовать в выставке «Русские и финляндские художники», которая состоялась в начале года в музее центрального училища технического рисования барона А. Л. Штиглица.
1 сентября 1901 года у Михаила и Надежды родился сын. Его назвали Саввой, в честь мецената Саввы Мамонтова, так помогавшего художнику. В это время Врубель начал писать второй вариант картины «Сирень» (не окончена, ГТГ) и картину «Пасхальные годы», которую он сам же уничтожил.

Биография
В начале 1902 года у художника появились признаки психического, или как говорили в то время, душевного расстройства.
11 марта знаменитый психиатр Владимир Бехтерев поставил диагноз, сказав, что болезнь неизлечима. Жена увезла Врубеля на дачу в Рязанскую губернию.
С апреля до конца августа он лечился в Москве в клинике Ф. А. Свавей-Могилевича, а с 6 сентября по 18 февраля 1903 года — в клинике В. П. Сербского при Московском университете.
9 июля 1904 году Врубеля доставили в клинику Ф. А. Усольцева в Петровском парке. Он был в столь буйном состоянии, что его с трудом могли удержать четверо санитаров. В клинике он провёл два месяца. Фёдор Арсеньевич так писал о Врубеле в своих воспоминаниях:
«Я видел его на крайних ступенях возбуждения и спутанности, болезненного подъёма чувства и мысли, головокружительной быстроты идей, когда телесные средства не поспевали за их несущимся вихрем. И он всё-таки творил. Он покрывал стены своего домика фантастическими и, казалось, нелепыми линиями и красками. Он лепил из глины и всего, что попадало под руку, чудовищно-нелепые фигуры. Но стоило прислушаться к его речам, вникнуть в них, — и нелепость, казалось, исчезала. Были понятны эти обрывки, не поспевавшие за своим неудержимо несущимся, но ярким образом».
В 1905 году болезнь обострилась. В марте Врубель перешёл на лечение в клинику Ф. А. Усольцева. При этом продолжал работать над картинами «Азраил» и «Видение пророка Иезекииля» (ГРМ), «После концерта» (ГТГ), графическим автопортретом (ГТГ).
Годы болезни (1902—1910)
Гамлет и Офелия(1884, Русский музей)
В ноябре 1905 года Врубель был удостоен звания академика. В декабре у него резко ухудшается зрение. Последняя картина, которую он смог написать — портрет поэта В. Я. Брюсова (ГТГ). В конце февраля 1906 года художник полностью потерял зрение. После этого 6 марта из клиники Усольцева Врубеля перевели в Санкт-Петербург в клинику Конасевича и Оршанского.
В 1906 году Михаила Врубеля перевезли в клинику доктора Бари на Васильевском острове, где он провёл последние годы жизни.
В том же году С. П. Дягилев устроил ретроспективу произведений художника на выставках «Мира искусства» в Санкт-Петербурге и русского искусства на Осеннем салоне в Париже, где произведениями Врубеля восхищался Пабло Пикассо.
Лето 1908 года провёл на даче под наблюдением доктора Морозова. Сестра читала ему, жена пела.
1 (14) апреля 1910 года в клинике доктора Бари Врубель скончался.
3 апреля состоялись похороны на кладбище Новодевичьего монастыря в Санкт-Петербурге. Вдохновенную речь на похоронах произнёс Александр Блок, назвав художника «вестником иных миров». А. Блок над могилой Врубеля сказал: «Он оставил нам своих Демонов, как заклинателей против лилового зла, против ночи. Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим».
Биография
Жена художника, (1898)
В Москве в Училище живописи, ваяния и зодчества в тот день была совершена панихида по скончавшемуся художнику. На заупокойном богослужении присутствовали: директор училища князь А. Е. Львов, профессор живописи В. М. Васнецов, художники К. Н. Горский, А. Е. Архипов, А. М. Васнецов, Л. О. Пастернак, С. В. Иванов, С. М. Волнухин, А. С. Степанов и учащиеся.
В 1913 году рядом похоронили его жену, Н. И. Забелу-Врубель.
В 1935—1936 годах предполагался перенос могилы Врубеля в музейный некрополь Александро-Невской лавры, однако этот план не был осуществлён. Примерно в 2000 году фотограф Валерий Плотников нашёл заброшенную могилу Михаила Врубеля и стал ухаживать за ней, привёл в порядок.
Дама в лиловом. Портрет Н. И. Забелы Врубель (1900-е, Русский музей)
Утро (1897)
Биография
Врубель во многом был новатором для своего времени . Художник рвёт с академическими принципами изобразительного искусства XIX века: непременное изображение движения и присутствие интриги. Теперь молчание и тайна — полноправные персонажи в изобразительном искусстве. Врубель доказывает это в своём творчестве такими шедеврами, как «Гамлет и Офелия» (1883), «Демон сидящий» (1890). Любовь и смерть — любимые темы Врубеля, которые открываются зрителю под разными символами. Так, в картине «Девочка на фоне персидского ковра» (1886) мы видим некую переизбыточность роскоши, которая и является аллегорией тленности, печали и неизбежности конца. Идея смерти замечена и в «Гадалке» (1895). Русская тема у Врубеля нашла ёмкое отображение в таких работах, как «Богатырь» (1898), «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890), «Микула Селянинович» (1895—1896) и хрестоматийной «Царевна-Лебедь» (1900).
Темы
Летящий демон(1899, Русский музей)
В 1920—1930-хх годах в Омске работало Художественно-промышленное училище (позднее техникум) имени М. А. Врубеля.
Музей изобразительных искусств им. М. А. Врубеля расположен в городе Омске по адресу ул. Ленина, дом 3А.
В Омске на левом берегу Оми есть сквер Врубеля.
Памятник в Омске возле Музея изобразительных искусств.
В Киеве на доме по улице Десятинной, 14 есть мемориальная доска в честь М. А. Врубеля (скульптор И. Кавалеридзе, 1962). В городе имеется Врубелевский спуск неподалеку от Кирилловской церкви.
В Москве, в посёлке Сокол, имеется улица Врубеля.
В Воронеже есть улица Врубеля.
В Москве имеется детская художественная школа им. М. А. Врубеля
Память о Врубеле
Музей изобразительных искусств им. Врубеля. Врубелевский корпус. Омск
              ИСТОЧНИКИ
ВИКЕПЕДИЯ. http://ru.wikipedia.org/wiki/


title: Презентация на тему: Времена года

text:
А.И. Ильин пишет: «Судьба народа скрыта в его истории. Она таит в себе не только его прошлое, но и его будущее, она являет собой его духовное единство, и его силу, и его дар, если народ теряет связи с прошлым, он теряет силу, теряет свое будущее. Мы должны всегда помнить об этом, ведь все дальше от нас уходят традиции, духовные и культурные ценности наших прабабушек и прадедушек, их праздники и игры, песни, сказки, семейные предания и обряды… И мы начинаем превращаться в «Иванов, родства не помнящих»

Времена года
Русские народные промыслы — форма народного творчества, в которой отчетливо прослеживаются русские традиции, зародившиеся много веков назад. Изделия русских промыслов сочетают в себе неповторимость русской традиционной культуры.

Гжель

ЛИСТИКИ        РОЗЫ
               БОРДЮРЫ
Основные элементы росписи

Городец

Основные элементы росписи

Дымково

Основные элементы росписи

Хохлома

Основные элементы росписи

Ведущий травный орнамент – стебель  «криуль»

«осочки»

«завиток»

 «капельки»

«кустики»

1
2
1
2
3
4
1.Яркая, лаконичная  роспись в которой можно увидеть цветочные узоры,
жанровые сцены, фигурки коней, петухов…
2. Декоративная роспись деревянной посуды и мебели, выполненная красным и золотым цветом по чёрному фону.
1.Один из традиционных российских центров производства керамики,
что в 60-и километрах от Москвы.
2.Народный промысел художественной росписи металлических подносов.
3.Лаковая миниатюра исполняется темперой на папье-маше
 Обычно расписываются шкатулки.
4.Глиняная игрушка – один из самых известных старинных русских
промыслов.

Творческих       успехов!


title: Презентация на тему: Всемирный потоп

text:
Всемирный потоп

    Среди испортившегося и развратившегося человеческого рода встречались и благочестивые люди. Среди них был Ной, его род шел от Сифа.
    Бог в своем праведном гневе на людские пороки, не мог не оценить таких людей, как Ной.
    Решив истребить род человеческий за грехи, Бог решил оставить именно Ноя.
    От этого человека должны были пойти новые люди, лишенные пороков и преисполненные добра.

    Решив истребить род человеческий, Бог, однако, сомневался в справедливости своего жестокого намерения. Он дал людям отсрочку и ждал еще сто двадцать лет, надеясь на благоразумие людей.
    Но этих лет оказалось мало, ничего не изменилось в отношениях между людьми.
    Бог дал последний, недельный срок. Знамения, появившиеся в последнюю неделю, не оставляли сомнения в приближающейся катастрофе. Солнце всходило на западе и заходило на востоке. А люди жили веселой и распутной жизнью…

    Насмешки над Ноем, торопившимся на суше построить корабль, в знойном и пустынном месте, усилились. В глазах толпы он был сумашедшим.
   Стоял зной, небо выцвело, не было ни капли дождя. А Ной торопился строить свой ковчег, он осознавал свое предназначение.
    О том, как надо строить корабль, Ной, никогда не видевший моря, знал из очень древней книги, хранившейся, как сказано в Библии, у Адама, а также внимал советам Бога.

    Ноев ковчег был огромен и хитроумен по конструкции. Длина 150 метров, ширина – 25, высота -15 (современный супертанкер). Морской корабль, строившийся на суше, окруженный пустыней, заносимый песком, раскаленный настолько, что с обшивки стекала смола, представлял собою фантастическое зрелище из бредового сна. Ной и сыновья были черны от зноя, исхудали от труда, шла последняя неделя перед неведомым мореплаванием по миру, залитому водой.

    Постепенно настроение толпы менялось. Ковчег возводился очень продуманно, это тревожило людей. Так ли уж безумна затея Ноя? Невероятное количество животных, зверей, птиц и всякой твари, ежедневно погружаемых в бездонные трюмы трехъярусного корабля – это ведь тоже о чем –то говорило?.. И наконец, столько корма, питьевой воды, мешки, ящики, тюки и всякое имущество, вплоть до кухонной утвари.

    Наконец все готово к отплытию. Ной и сыновья, их жены поклонились народу, зашли на корабль, убрали сходни и навсегда скрылись из глаз людей.
    Солнце стало быстро заволакиваться тучами, в толпе послышались крики, плач. Тьма покрыла землю. Толпа ринулась к ковчегу. Библия говорит, что штурмовавших ковчег, было около семидесяти тысяч. Ливень стеной обрушился на землю. Его шум заглушал все.

   Как сказано в Библии, «продолжалось на земле наводнение сорок дней», а вода убывала сто пятьдесят дней и первые «верхи гор» показались на десятый месяц, а потом прошло еще сорок дней, пока Ной решился открыть окно.
    Для проверки выпустил ворона, который, как сказано, «вылетев, отлетал и прилетал», так как нигде не мог опуститься на сушу.

    Потом Ной выпустил голубя, голубь прилетел обратно, вода покрывала землю. Прошло еще семь томительных дней. Выпустили во второй раз голубя и с нетерпением ждали его прилета. «Голубь возвратился в вечернее время, свежий масличный лист во рту у него, и Ной узнал, что вода сошла с земли». Он снова выпустил голубя, ожидая, что уставшая птица начнет вить гнездо.
    Масличная (оливковая) ветвь с тех пор – символ мира и добра.

  РАДУГА –    символ
прощения
человечества

    Шел уже двадцать седьмой день, как ковчег остановился в Араратских горах. Ной вышел из ковчега, с ним жена, три сына, их жены, все истощенные, но здоровые и радостные. Вышли все звери, вылетели птицы, уползли гады, зарезвились рыбы в ручьях. Земля была умыта, радостна и согрета солнцем.
    Ной вспомнил предания об Эдеме, но это был другой рай, он требовал от человека «труда в поте лица своего».

    Ной помнил и чтил эту заповедь. Он, как сказано в Библии, «начал возделывать землю и насадил виноградник».
    После потопа он прожил еще 350 лет. Отплыв в ковчеге шестисотлетним крепким старцем, он умер в праведных трудах, будучи девятисот пятидесяти лет от роду.
    Такова история Ноя – одна из величайших и поучительных легенд человечества.
Фотографии  ковчега

«Ноев ковчег» в Гонконге
Микеланджело «Потоп»
Ф.Бруни «Всемирный потоп»
Сопоставьте картины. Как авторы передают силу эмоций и чувств людей?
Микеланджело «Потоп»
Ф.Бруни «Всемирный потоп»


title: Презентация на тему: «Выкройка прямой юбки

text:
Построение чертежа прямой юбки
Повторение пройденного материала
Что такое чертёж швейного изделия?
Чертёж швейного изделия – это плоское изображение деталей одеж-ды, которое строится по размерам определённой фигуры.
Что такое выкройка?
Выкройка – это вырезанный чертёж.
А чтобы построить чертёж, что нужно сделать?
Снять мерки.
А что такое мерки?
Мерки – это основные размеры фигуры человека.
Перечислите мерки необходимые для построения чертежа прямой юбки.
Мерки:  Ст    Сб    Дтс    Ди

Для чего нужны прибавки?Приведите примеры прибавок для построения чертежа юбки.
Прибавки даются на свободу облегания.Пт    Пб
Для чего нужна мерка Дтс?
Для определения положения линии бёдер.
Для чего нужны вытачки?
Для придания формы изделия.
От какой мерки зависит размер юбки?
Размер юбки зависит от мерки Сб.
Практическая работа: «Построение чертежа прямой юбки в М 1:1».
Построить прямой угол с вершиной в точке Т
Т
Определить длину юбки. Отложить от точки Т вниз длину своей юбки ТН.
Т
Н
Определить ширину юбки. Отложить от точки Т вправо ширину юбки ТТ1.
Т
Н
Т1
Достроить прямоугольник
Т
Т1
Н
Н1
Отложить расстояние до линии бёдер ТБ и провести линию бёдер ББ1
Т
Т1
Н1
Н
Б
Б1
Определить ширину заднего полотнища.Отложить от точки Б вправо значение ББ2 и провести боковую линию Т2Б2Н2
 Т
Т1
Б1
Н1
    Б
    Н
 Т2
Б2
Н2
Линия талии.Повысить линию талии по боку Т2О (п/в = 1 см) и соединить точку О с точками Т и Т1.
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Б2
Определить положение задней вытачки..Отложить от точки Б вправо значение ББ3 и провести осевую линию задней вытачки Б3Т3
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Б2
Определить положение передней вытачки..Отложить от точки Б1 влево значение Б1Б4 и провести осевую линию передней вытачки Б4Т4
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
Вершина боковой вытачки.Отложить от точки Б2 вверх значение Б21 (п/в = 1 см)
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
Вершина боковой вытачки.Отложить от точки Б2 вверх значение Б21 (п/в = 1 см)
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
Вершина задней вытачки.Отложить от точки Б3 вверх значение Б32 (п/в = 2 см)
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
Вершина передней вытачки.Отложить от точки Б4 вверх значение Б44 (п/в = 4 см)
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4
Определить раствор боковой вытачки.Отложить от точки О в обе стороны половину ширины раствора боковой вытачки.Выполнить построение вытачки.
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4
Определить раствор задней вытачки.Отложить от точки Т3 в обе стороны половину ширины раствора задней вытачки.Выполнить построение вытачки.
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4
Определить раствор передней вытачки.Отложить от точки Т4 в обе стороны половину ширины раствора передней вытачки.Выполнить построение вытачки.
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4
Определить раствор передней вытачки.Отложить от точки Т4 в обе стороны половину ширины раствора передней вытачки.Выполнить построение вытачки.
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4

Выполнить построение линии бока (прогиб = 0,5 см)
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4
Обвести контур чертежа сплошной основной линией.
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4
Обвести контур чертежа сплошной основной линией.
  Т
 Б
 Н
Н2
Т2
Т1
Б1
Н1
О
Т3
Б3
Т4
Б4
Б2
1
.
. 2
. 4
Практическая работа: «Подготовка выкройки к раскрою».
Наименование срезов и припуски на обработку.


Презентация на тему: Вышивка крестом с применением ИКТ


Презентация на тему: Высокое Возрождение


title: Презентация на тему: Выражение характера изображаемых животных

text:
http://animalartplanet.ru/index.php?showtopic=3739
http://funcats.by/pictures/
http://anastgal.diary.ru/?order=frombegin&tag=22717&from=200
http://lifecity.com.ua/?l=knowledge&mod=view&id=1847
http://images.yandex.ru


title: Презентация на тему: Выпонение аппликации на мешочке

text:
1.
2.
?
?
?
?
?
5
4
3
2
1


Презентация на тему: Высокое Возрождение. Качественные изменения в живописи


Презентация на тему: Высокое Возрождение в искусстве


Презентация на тему: Выставка работ «Дары осени»


Презентация на тему: ывфждлоприл


Презентация на тему: Высокое возрождение литературы. музыка. живопись


Презентация на тему: Высокое Возрождение. Идеи гуманизма в литературе и музыке


text:
« Я ставлю тебя в центре мира…»
 Высокое Возрождение
Высокое Возрождение( конец XV- начало XVIв.в.)

-Человек стал думать не только о божественном,
 не только о загробном мире-
Его мысли обратились и к земной, мирской жизни.
(Светский , человеческий взгляд на окружающий мир
«гуманистический взгляд»)

-Время- ценность человеческой деятельности, где есть
 стремления к понятию и изменению  окружающего мира

-Образованность –высший критерий оценки человека.
Эразм Роттердамский

Томас Мор

Франсуа Рабле

Уильям Шекспир

Мигель Сервантес

Леонардо да Винчи

Микеланджело Буонарроти

Рафаэль Санти

Питер Брейгель ( Старший)


text:
Высокое Возрождение. Идеи гуманизма  в литературе и музыке
Учитель истории и обществознания  ГБОУ СОШ №71  г.СПб
Комиссарова А.П.
Основные понятия  урока:
Возрождение
Культура
обмирщение сознания
Утопия
Искусство
Сонет
Мадригал.
Особенности эпохи Возрождения:

 Обмирщение сознания
 Распространение идей гуманизма
 Распространение научных знаний.
 Опора на достижения культуры Античности.
Культура эпохи возрождения

эразм Ротердамский ((1469-1536
Богослов и филолог. Самые знаменитые творения «Разговоры запросто» и «Похвала Глупости».
Томас Мор (1478-1535)
Политик и первый министр короля Англии. В начале 16 века написал и опубликовал «Золотую книгу, столь же полезную, как и приятную, о наилучшем устройстве государства и о новом острове Утопия».
Франсуа Рабле(1494-1553).
(1494-1553). Писатель. Наиболее известное произведение – роман «Гаргантюа и Пантагрюэль».
Уильям Шекспир
 автор  произведений «Ромео и Джульетта», «Гамлет»

Мигель Сервантес
 автор произведения «Дон Кихот»
Джованни де дольчи
Сикстинская капелла
Леонардо да винчи
«Мона Лиза »
 Микеланджело Буонаротти
«Моисей»

Рафаэль Санти
«Сикстинская мадонна»
 Музыкальное искусство Западной Европы

Широкое развитие и распространение получают светские (нецерковные) произведения.
 Светскую музыкальную культуру пропагандируют гуманистические музыкальные кружки.
 Высоко ценилось искусство сочинять и петь мадригалы – лирические вокальные произведения


Презентация на тему: Взаимосвязь видов искусства


title: Презентация на тему: Вышивка – традиционный вид украшения одежды

text:
Вышивка – традиционный вид украшения одежды
Шарипова А.Б.
2010 г

Муниципальное общеобразовательное учреждение «Средняя общеобразовательная школа №33 г.Набережные Челны  Республика Татарстан
Набережные Челны

ИТОГОВОЕ ЗАНЯТИЕ
5 КЛАСС
Татарская вышивка
Татарская вышивка

 Смысловые значения

Поверхность земли
Горы
Вода

Стежки выполняют в направлении слева направо, располагая их перпендикулярно краю ткани. Этот шов используется для обметывания краев ткани или для украшения.

ПЕТЕЛЬНЫЙ ШОВ
Шов «Вперед иголку»
Шов «Вперед иголку с перевивом»
Шов «Стебельчатый»
Шов «Назад иголку»
Шов «петля вприкреп»
Шов «Тамбурный»
Тамбурный шов
Карта пооперационного контроля к                                   практической работе
Спасибо за внимание !
желаем успеха !


title: Презентация на тему: Выдающиеся женщины - художницы

text:
Выдающиеся женщины - художницы
часть2
Анжелика Кауфман
Элизабет Виже-Лебрен
Мари Анн Колло
Камилла Клодель
Наталья Гончарова
Анна Голубкина

Анжелика Кауфман
(1741-1807)
Немецкая художница, одна из талантливейших и образованнейших женщин своего века, века
Просвещения. Она родилась в то время, когда уделом женщины были: кухня, дети и церковь. Природа щедро наградила девочку талантами: у нее были безупречный слух и прекрасный голос, но карьере певицы она предпочла стезю живописца и весьма преуспела на этом поприще. Уже в 12 лет юная художница создавала портреты, которыми восхищались при Миланском дворе. А в 22 года она удостоилась высокой оценки своего творчества самого Винкельмана, знаменитого немецкого историка искусства. Представитель классицизма. Писала портреты, сентиментально чувствительные, мифологические, исторические, религиозные и бытовые сцены.

Автопортрет
Самый удивительный успех ждал Анжелику Кауфман в Англии, куда она приехала в 1766 году. Очень быстро художница снискала расположение королевского двора и уважение среди аристократов. Все отмечали ее «превосходный римский вкус», под которым подразумевалась приверженность принципам классицизма.
Портрет Джошуа Рейнольдса. 1967
Портрет художницы
У талантливой и красивой Анжелики было немало поклонников. Один из них, будучи графом, считался знатоком искусства и тратил немало денег на покупку картин. Обворожив художницу, он предложил ей выйти за него замуж. В последствии оказалось, что она вышла замуж за авантюриста, который жил под разными вымышленными именами и добывал деньги отнюдь не честным способом. Так ей отомстил один из лордов, которому она отказала. Брак был расторгнут.
Венера уговаривает Елену
 любить Париса
Вергилий читает «Энеиду»
 Октавии и Августу
В Лондоне Анжелика Кауфман прожила 15 лет. Здесь она начала писать картины на мифологические, библейские и литературные сюжеты. Эти работы имели большое значение для развития английского искусства. Устав от северных туманов, в 1781 году Анжелика вернулась в Италию. Она стала членом венецианской Академии художеств, вышла замуж за живописца Антонио Цукки, друга ее отца, и обосновалась в Риме. Здесь судьба ей подарила встречу с великим немецким поэтом Гете.
Портрет отца
Портрет Гёте
Гете по достоинству оценил богатый духовный мир художницы и отмечал ее «огромный и для женщины невероятный талант». Долгое время их связывала нежная дружба, которая не прервалась и после его отъезда из Рима. Анжелика написала портрет Гете, который относится к числу самых блестящих ее произведений 1880-90-х годов.
Среди заказчиков Анжелики Кауфман были и будущий император Павел I с супругой, и князь Юсупов, и даже Екатерина II. Свободное владение французским, немецким, английским и итальянским языками значительно облегчало общение художницы с именитыми заказчиками. Анжелика Кауфман вообще слыла одной из самых образованных женщин Европы.
Плиний Младший и его мать
 в Мизене в 79 году
Портрет графини
Анны Протасовой
Работы Анжелики Кауфман находятся в крупнейших музеях мира и в частных коллекциях. Интерес к ее творчеству сохранился до сих пор.

Элизабет Виже-Лебрен
(1755–1842)
Французская художница, представительница сентименталистского направления в классицизме, мастер портрета. Родилась в Париже в семье художника, который и давал ей первые уроки рисования. Она унаследовала от матери красоту, а от отца его художественные способности и любовь к искусству.
Автопортрет 1782
Портрет брата 1773
Слава Элизабет разнеслась по Парижу именно тогда, когда ее ровесница австрийская принцесса Мария-Антуанетта покинула свою родину и отправилась во Францию, чтобы вскоре стать ее королевой. Пройдет еще несколько лет — и их пути пересекутся. А в год восшествия на престол Людовика XVI и Марии-Антуанетты (1774 г). Элизабет Виже, едва достигшая девятнадцатилетнего возраста, была избрана в члены Академии св. Луки. Кроме портретов королевы, художница рисует и ее придворных и просто окружающих ее людей.
Портрет Марии Антуанетты 1783
Автопортрет
Портрет принцессы
Марии Терезы
Портрет барона
Г.А. Строганова 1793
Маркиза Пеже и маркиза Руа
 с двумя детьми
Принц Генрих Любомирский
во славе 1789
В первые дни революции Элизабет вынуждена была эмигрировать из Франции вместе с дочерью. Она проведет в изгнании 12 лет, так как имя ее попало в списки эмигрантов, которым под страхом смертной казни запрещалось возвращение на родину. Объехав едва ли не все страны Европы, Виже-Лебрен повсюду пользовалась большим успехом. В этом играли и ее личные качества, ее ум, такт, умение находить общий язык с людьми самых разных кругов: от королей и министров до купцов.
Автопортрет с дочерью 1789
Автопортрет с дочерью
В 1795 г. художница прибыла в Петербург, где нашла много своих друзей, бежавших от революции. Ее встретили с почетом, приняли в члены Императорской Академии художеств. Следами ее пребывания в России остались многочисленные портреты. Ею написаны портреты императрицы Марии Федоровны, цесаревны Елизаветы Алексеевны, великих княжен Александры и Елены, Станислава Понятовского, графа Толстого и др.
Портреты императрицы
Елизаветы Алексеевны 1798
Портрет дочерей
императора Павла I
Строганова с сыном
Скавронская, племянница Потемкина
В Петербурге она провела шесть плодотворных лет. Здесь она выдала замуж единственную дочь. И в1809 году  она вернулась во Францию. В старости  художница напишет мемуары «Воспоминания о моей жизни», которые будут почти так же популярны, как ее живопись. Шесть своих русских лет описала она подробно и честно. Элизабет Луиза Виже-Лебрен стала второй после Мари Анн Колло иностранкой, удостоенной звания члена Санкт-Петербургской Академии художеств.
Автопортрет 1800
Портрет мадам де Сталь в виде Коринны

Мари Анн Колло
(1748-1821)
Французский скульптор, портретист. В 16 лет поступила в мастерскую известного скульптора Э. Фальконе. Специализировалась в области портретной пластики. Важным событием в творческой жизни Колло стало пребывание в России (1766—1778) вместе с Э. Фальконе. В Санкт-Петербурге она пользовалась успехом и выполнила ряд портретных медальонов и бюстов. В 1777 Мари Анна Колло вышла замуж за сына Фальконе — живописца Пьера Этьена. С 1779 работала в Голландии. 8 лет ухаживала за прикованным к постели учителем, которого пережила на 30 лет. Член Санкт-Петербургской Академии художеств.
Дидро 1772
Вольтер 1770
Знаменитый монумент на Сенатской площади Петербурга «Медный всадник» (1766-1782) работы Этьена Мориса Фальконе известен всем. Но мало кто знает, что Фальконе долго не мог найти нужный образ, и тогда на помощь скульптору пришла его верная ученица Мари Анн Колло. Она создала портрет императора буквально за одну ночь. Работая над головой всадника, Колло использовала гипсовую маску, снятую еще при жизни Петра скульптором Растрелли. Портрет получился очень удачным, и Фальконе использовал его в работе, объявив Колло соавтором.
Бюст Фальконе. 1773
Медальон с портретом Екатерины II.
Ораниенбаум, Китайский дворец
Портретный бюст Петра I

Камилла Клодель
(1864 – 1943)
15 лет была помощницей, музой и возлюбленной великого скульптора Родена. Эта хрупкая синеглазая женщина ваяла из глины, мрамора и оникса. Она сама была весьма незаурядным и талантливым творцом, но долгое время находилась в тени мастера.
В детстве девочка без устали лепила из речной глины. Отец был убежден, что это божий дар, который непременно надо развивать. К самому раннему периоду ее творчества относятся композиции «Давид и Голиаф», «Наполеон» и «Бисмарк». Ей было 15 лет, когда папа привел в дом скульптора Альфреда Буше. Мастер был поражен талантом юной Камиллы. Он же посоветовал Камилле ехать в Париж развивать свое мастерство. Камилла стала учиться в художественной студии.
В 1882 году состоялась первая встреча с Огюстом Роденом, который  был приятно удивлен способностями девушки. И пригласил Камиллу поработать у него. Все подмастерья держались от нее подальше: их смущала ее половая принадлежность, а особенно ее внешность. Восемнадцатилетняя Камилла была великолепна: синие глаза, точеная фигура.
Роден был старше ее на 24 года, но это не помешало им сблизиться. Камилла была с ним счастлива. Но он был женат, не сказав об этом молодой помощнице. Она была шокирована обманом человека, на которого действительно молилась. Отец боялся, что любимая Кам может потерять свою индивидуальность, помогая Родену в работе. И потому советовал начать ей работать на себя. Но Камилла не собиралась уходить от любимого мастера. Роден очень любил Камиллу. Но и Розу он оставить не мог.
Влюбленность в Камиллу послужила огромным творческим стимулом для Родена. Он начал новый цикл, в котором изображал пары влюбленных, для самых известных – «Данаиды» и «Поцелуя» – позировала сама Камилла.
Как-то Камилла рассказала, что Роден подписывает ее работы своим именем. И хотя ее это не беспокоило, брат Поль ( французский поэт и дипломат) резонно заметил: «Не хотел бы я, чтобы мои стихи подписывал Дюма». Камилла не позволила себе иметь детей, что стало причиной длительной депрессии. Она долго приходила в себя и потихоньку возвращалась к работе. Тогда появился «Вальс», который снискал успех у публики: движение танца было передано очень живо, плавно.
Вальс 1892
Другая фигура, «Молящаяся», где молодая девушка стоит на коленях и протягивает руки к небу, по воспоминаниям очевидцев, заставила Родена плакать, глядя на нее. Для Камиллы начались особенно нелегкие времена. Больше не могло продолжаться такое состояние отношений. И они их прекратили. Клодель даже ответила на пылкость чувств Клода Дебюсси. И в это время кто-то пустил слух, что автор произведений Камиллы не она, а Роден. Женщина приходила в неистовство, когда слышала такое. она представила свою работу «Сплетницы», которую тут же назвали шедевром.
В 1895 году она представила свою работу «Зрелый возраст», ужасно разозливший Родена. Там изображены три фигуры: старуха, которая держит мужчину, а к нему протягивает руки, стоя на коленях, молодая женщина. Композиция показалась ему автобиографичной, и он не хотел, чтобы его выставляли на посмешище.
Камилла часто выполняла портреты на заказ. Ей не нравилось это, ее нелюдимость стала обостряться, к тому же все деньги она пускала в дело, мрамор ее разорял. Чтобы чем-то питаться, она анонимно лепила пепельницы. У Камиллы тогда появилась навязчивая идея вселенского заговора против нее. Ей казалось, что Роден только и пытается, что украсть ее идеи. Чтобы у нее ничего не украли, Камилла часто разбивала свои скульптуры. В 1900 году состоялась ее персональная выставка. Вся богема собралась оценить ее, успех был ошеломительным. Не обошлось без скандала. Затворница Камилла встречала посетителей, выбелив лицо и намалевавшись красными румянами, как чучело.
Умер отец, который до последнего пытался поддерживать ее. Сразу после его смерти мать и Поль отправили за Камиллой санитаров богадельни для душевнобольных, которые нашли ее на кровати, тощую и недвижимую. Из клиники она писала матери отчаянные письма, чтобы та забрала ее, но ответа не было. В 1917 году умер Роден в возрасте 77 лет. В клинике Камилле сообщили о смерти некогда любимого человека. Она долго пребывала в истерике. Камилла дожила до 1943 года, проведя последние годы жизни в клинике. 30 последних лет она не касалась ни мрамора, ни оникса, ни бронзы…
В музее Родена есть целый зал с ее работами. Любовная связь Родена и Камиллы послужила основой для пьесы Ибсена «Когда мы, мертвые, пробуждаемся». В 80-х годах XX века был снят фильм, в котором Депардье играл Родена, а Камиллу – Изабель Аджани. Позднее был создан мюзикл по мотивам событий ее жизни.
Возлюбленная Родена, безответная любовь Клода Дебюсси, она жила во времена Эдуара Мане и Клода Моне, Поля Гогена, Рембо, Вагнера, Айседоры Дункан и Гюго, Пьера и Марии Кюри. Великие люди в эпоху больших перемен. И она неотделима от своего времени. Что сломило ее непокорную душу и силу воли - бремя гениальности, непонимание толпы, неверность любимого или попросту нищета? Что чувствовала она, переживая каждый из периодов своей сложной судьбы?

Наталья Гончарова
(1881–1962)
Русская художница. Связана с родом пушкинских Гончаровых (двоюродная правнучка жены великого поэта). В 1901–1909 посещала занятия в Московском училище живописи, ваяния и зодчества; занималась скульптурой в классе П.П.Трубецкого, затем обратилась к живописи (класс К.А.Коровина). В 1900 познакомилась с М.Ф.Ларионовым, ставшим ее спутником жизни и соратником по искусству (как художница, впрочем, она всегда сохраняла творческую независимость). Была членом «Бубнового валета», одной из создательниц другого, более радикального художественного объединения, «Ослиного хвоста» (1911); входила также в «Союз молодежи». Испытала большое влияние П.Гогена.
Автопортрет с лилиями
Живопись и графика Гончаровой - первоначально импрессионистская, затем решенная в духе фовизма – стоит у истоков русского футуризма. В 1907–1911 ей удалось соединить традиции «примитива» (лубка, расписной вывески и других видов фольклора), равно как и традиции иконы, с новыми авангардными веяниями. Особое место в ее искусстве занимают жанрово-бытовые темы и религиозные мотивы.
Сирень 1906
Московская улица 1909
Крестьяне 1911
М.Ларионов и его взводный
1911
Прачки 1911
Мытье холста 1910
Жнецы 1911
Купание лошадей 1911
Орхидеи 1913
Архистратиг Михаил 1914
Сотворение Евы
Евангелисты
Разлагая формы видимого мира, художница обратилась к кубофутуризму (Велосипедист 1913), примыкала к изобретенному ее мужем беспредметному «лучизму», сохраняя предметно-фигуративное начало. К лучшим образцам авангардного искусства принадлежат оформленные Гончаровой, часто в соавторстве с мужем, издания А.Е.Крученых, В.В.Хлебникова и других поэтов-футуристов.
Зеленый и желтый лес
Ангелы и аэропланы 1914
Французский петух 1914
Превращая авангард в «искусство жизни», Гончарова и Ларионов занимались театром и кино. Мощная живописная пластика оформленной Гончаровой постановки оперы Н.А.Римского-Корсакова «Золотой петушок» (1914) имела шумный успех в Париже. Работая в «Русских сезонах», Гончарова вместе с мужем покинула Москву, в 1919 окончательно обосновавшись в столице Франции.
Эскизы декораций и костюмов
Испанка 1916
Испанская танцовщица
с красно-синим веером 1916.
Фиеста
Арлекин.Эскиз костюма
 к балету-мистерии
Испанка с веером
 Апостол Марк.
Эскиз костюма
Продавщица апельсинов 1916
Существенная часть творческого наследия Гончаровой и Ларионова была передана в 1988 в дар Третьяковской галерее.
Осень. Парк
Павлин под ярким солнцем 1911
В этой работе соединяются законы древнеегипетского искусства и традиции русского народного творчества. Фигура павлина превращена в выразительный знак. Точеная головка птицы и изящная шея изображены в профиль, в то время как великолепный хвост развернут фронтально, по канонам египетского искусства. В образе павлина словно воплощается древний символ бессмертия.
Крестьяне, собирающие яблоки 1911

Картина открывает серию станковых работ на тему Испании, которая стала центральной в парижский период творчества Гончаровой. По манере исполнения произведение можно отнести к декоративному варианту кубизма. Лица, обобщенные до знаков, подчеркивают симметрию композиции; жесты рук создают в ее центре веерообразное движение. Аскетичное звучание черного и белого цветов оживляется бархатистой живописной фактурой. Поэтесса Марина Цветаева, увидевшая «Испанок» в парижской мастерской Гончаровой писала: «Все от собора: и створчатость, и вертикальность, и каменность и кружевность. Гончаровские испанки – именно соборы под кружевом, во всей прямости под ним и отдельности от него. Первое чувство – не согнешь. Кружевные цитадели».
Две испанки Начало 1920-х
Китайский натюрморт 1909
Распятие
Осенний пейзаж
Пустота
Сбор яблок

Анна Голубкина
(1864–1927), русская художница, представительница скульптуры русского модерна. Родилась в крестьянской семье. Обучалась ремеслу ваятеля в Классах изящных искусств архитектора А.О.Гунста в Москве (1889–1890) под руководством С.М.Волнухина, занималась также в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1891–1894) и петербургской Академии художеств (1894). Живя в 1895–1900 в Париже, была ученицей О.Родена. Затем обосновалась в Москве. В 1904–1907 принимала активное участие в революционном движении, в 1907 была приговорена к тюремному заключению за распространение прокламаций РСДРП, но освобождена по болезни. Создала первый в России скульптурный портрет К.Маркса.
Туман 1899
Первоначально работала в духе «передвижников», позднее испытала большое воздействие импрессионизма. Символом ее творческой зрелости можно считать горельеф Волна (Пловец, гипс, 1901) над входом в московский Художественный театр (ныне МХАТ), этапный и для русского модерна в целом.
 Железный. 1897
Идущий человек. 1903
Старость. 1898
Устремленностью в будущее привлекает скульптура Голубкиной: напрягал мускулы и волю, чтобы вырваться из рабства непосильного труда, «Железный»; свет сознания загорался в глазах «Идущего». «Мастерство и талант ее огромны», - говорила Мухина, утверждая, что «той остроте восприятия, с которой Анна Семеновна лепит свои портреты, многим можно поучиться».
В каждом портрете Голубкина обращалась к высоким чувствам, старалась напомнить о честности, совести, человечности. Огромной известностью пользовалась ее скульптура «Старость» - с добротой воссоздавала художница одиночество беспомощной, покинутой всеми женщины.
Идеи неволи и свободы, движения и органического роста выражены во всех работах автора. Особенно удавались ей образы людей искусства, чьи характеры у нее как бы формируются из динамичной творческой ауры.
Раб 1909
Л.Толстой 1911
К.Маркс 1905
А.Белый 1907
М.Ремизов 1911
М.Лермонтов 1900
М.Средина 1903
Манька 1904
Березка 1927
В годы войны и тяжелой болезни Голубкина работала как преподаватель – на скульптурном отделении Пречистенских рабочих курсов (1913–1916) и в Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас, 1918–1922), – попутно занимаясь декоративной пластикой малых форм (камеи из морских раковин и слоновой кости). В 1923 опубликовала Несколько слов о ремесле скульптора.
Пленники 1908
Спящие 1912
Земля 1904
 Имя Голубкиной всемирно известно. Ее творческое наследие насчитывает более трехсот произведений скульптуры и хранится в лучших музеях России. Она принадлежит к поколению художников конца XIX - начала XX века, периода блистательного расцвета русской литературы, музыки, изобразительного искусства, который нарекли "серебряным веком". Голубкина - представитель направления в русском искусстве, которое связано с именами В.Серова и М.Врубеля в живописи, А.Скрябина в музыке, А.Блока и А.Белого в поэзии.
Музей А.Голубкиной
 в Москве


title: Презентация на тему: Взаимосвязь искусств: Живопись и Музыка

text:
Взаимосвязь искусств: Живопись и Музыка

Дмитрий Нечитайло «Рассвет на Москва-реке»
Игорь Грабарь «Февральская лазурь»
Борис Кустодиев «Масленица»
Виктор Васнецов «Богатыри»
1
2
3
4
5
1
2
3
4
5
1
2
3
4
5
1
2
3
4
5
1
2
3
4
5


title: Презентация на тему: Выдающиеся женщины – художницы

text:
Выдающиеся женщины – художницы
Часть 3
Юдит Лейстер
Кете Кольвиц
Мария Диллон
Мария Якунчикова
Любовь Попова
Вера Мухина

Юдит Лейстер
(1609-1660)
Нидерландская художница. Родилась с в семье портного и пивовара. Автор портретов, натюрмортов, произведений жанровой живописи, в которых ощутимо влияние Франса Халса (есть предположения, что Лейстер была его ученицей). В 1633 была принята в Гильдию Святого Луки (союз художников Харлема), став первой женщиной в ее рядах. В 1636 вышла замуж за художника, переехала в Амстердам. Родила пятерых детей. Преобладающая часть её работ относится к 1629—1635. Несколько её полотен изображают женщин за домашними занятиями, что было новым для живописи 1620—1630-х годов. В честь нее назван вид тюльпана.
Автопортрет, 1630
С 1629 года Лейстер стала посещать мастерскую Хальса в Харлеме, а в 1633 году художница выходит замуж за Я. М. Моленара, жанрового живописца, тоже ученика Хальса. Все это способствовало тому, что Юдит Лейстер стала ярой последовательницей Хальса. С другой стороны, она многому научилась у караваджистов, которые  ратовали за обращение к обыденной действительности, к прозаическому быту простых людей.
Юный флейтист
Мальчик и девочка с кошкой и угрем
Одной из характерных черт караваджизма был пристальный интерес к проблеме света и его передачи в картине. Любовь к светотеневым эффектам придавала полотнам особую жизненность, полную трепетности атмосферу реального окружения. Караваджисты нарушали созданную академизмом границу между зрителем и искусством, их модели обращаются непосредственно к тому, кто созерцает картину, улыбаются ему, жестикулируют. Образуется непосредственный контакт со зрителем.
Предложение
Веселое общество
Лютнистка
Юдит Лейстер настолько замечательно усвоила живописные особенности хальсовского письма с его широким смелым мазком, что и по сей день некоторые произведения художницы считаются подражанием великому мастеру. Некоторые считают, что она—лишь талантливый подражатель, умело развивающий чужие идеи. Голландское искусство того времени было богато такими мастерами. Именно их называли «малыми голландцами». В некоторых своих произведениях Лейстер демонстрирует известную независимость от хальсовского влияния, художница создает свой собственный образ.
Вскоре после замужества Лейстер переселяется в Амстердам. Здесь наступает еще один перелом в ее творчестве. Говорят о влиянии Вермеера, хотя она по-прежнему обращается к типу портрета-жанра. Но  для истории искусства она осталась прежде всего верным последователем Франса Хальса.

Кете Кольвиц
(1867-1945)
Немецкий график - реалист. Ее не стало 24 апреля 1945 года. Звук погребального колокола в часовне Морицбургского кладбища сливался с гулом вплотную приблизившегося фронта. Кете Кольвиц, которая так любила мир, вынуждена была бежать из Берлина в далекий Морицбург, где и умерла. На скромном гробу лежала веточка зелени... "Война преследует меня до конца..." Эти слова, написанные родственникам незадолго до смерти, стали пророческими. Она очень остро, экспрессивно воспринимала и передавала в своих ксилографиях, литографиях, рисунках ужасы войны и трагедию обездоленных людей, бесконечно любила людей и верила в победу добра и света.
Отец рано заметил художественную одаренность своей дочери Кете, радовался этому от всего сердца и хотел помочь ей стать художницей. Она с детства рисовала окрестные сады и дворы. Ее будущий муж, студент-медик Карл Кольвиц, его друзья, ее брат Конрад увлекались идеями социализма. Общение с ними неизбежно оказывало влияние на девушку, воспитанную в свободолюбивой атмосфере родительского дома и восприимчивую ко всем прогрессивным мыслям.
Автопортреты
Первые уроки изобразительного искусства Кете брала у офортиста Р. Мауэра. Она рисовала головы с гипсовых моделей и по образцам. В свободное время вместе с сестрой часами бродила по городу. Не главные улицы с их магазинами привлекали их, а окраины и гавань. Кете увлекалась произведениями Гете, Толстого, Гейне, гравюрами английского критика нравов У. Хогарта.
В 1885 г. Кете Кольвиц впервые приехала из Кенигсберга в Берлин и пробыла там год, учась мастерству. Художники всего мира стремились в то время попасть в Мюнхен, и отец Кете решил отослать дочь в Мюнхен - для учебы в женской художественной школе, где преподавал живописец Людвиг Гертерих. Именно здесь она решила заняться графикой.
 "Для этих вечеров ставилась какая-либо тема. Так, я обдумывала тему "Борьба". Я выбрала сцену из "Жерминаль", когда в прокуренном кабачке двое мужчин дерутся из-за молодой Катрин. Композиция была встречена с одобрением. Впервые я почувствовала поддержку на выбранном мной пути, перед моим воображением открылись большие перспективы, ночь была бессонной от предчувствия счастья".
Темы ее работ она брала из окружающей действительности. Образ жизни крестьян и рабочих, голод, лишения, непомерный труд, болезни, борьба против унижений и т.д.
Во время Первой мировой войны художница потеряла сына. Все ее творчество окрашено в мрачные трагические тона. В 1919 Кете Кольвиц первой из женщин стала профессором берлинской Академии художеств. В 1933 нацисты изгнали ее из Академии, ее работы уничтожались. Она была вынуждена уехать из Берлина.
В остро эмоциональном восприятии ужасов войны и трагедий рабочих семей в городских трущобах Кольвиц с экспрессионизмом. Но при этом ведущую роль в её творчестве играют гуманистические общественные идеи, протест против гнёта, насилия и войны, призыв к единению трудящихся. Плакаты, созданные в 1920-е гг. по поручению компартии Германии; литографии "Демонстрация", 1931, "Мы защищаем Советский Союз", 1931-32. Последние годы жизни Кольвиц работала как скульптор. В 1942 создала в литографии героический образ матери, защищающей детей от гибели на полях войны.

Мария Диллон
(1858–1932)
Русский скульптор. Родилась в Литве. Училась в Академии художеств. За годы прохождения академического курса награждена малыми (1882, 1884, 1885) и большой (1886) поощрительными серебряными медалями за рисунки и лепку с натуры, не раз удостаивалась похвал совета АХ за скульптурные портреты и барельефы. Удостоена звания классного художника 2-й степени по скульптуре. Продолжила образование в Париже и Риме. Во Флоренции выполнила в мраморе камин «Пробуждение весны» (1898) для особняка А. Ф. Кельха в С.-Петербурге. Постоянно жила в С.-Петербурге, работала в области аллегорической, жанровой, мемориальной и портретной скульптуры. Выполняла заказы на модели для художественного литья в области декоративно-прикладного искусства.
"Татьяна" - из ранних ее работ. Скульптура сделана в добротной академической манере. Образ, созданный Марией Диллон, очевидно, был типичным для чувств и настроений тогдашних поклонниц пушкинского романа и прежде всего Татьяны (первая скульптура пушкинского образа). Она отражала их мечты, грезы, волнения и страдания. Ведь самой художнице было тогда, наверное, не более тридцати.
Особняк барона Кельха, Белый (или Концертный) зал. Рококо. «Создает его настроение" великолепный камин светло-серого итальянского мрамора. На лестнице три мраморных фигуры.
камин «Пробуждение весны» 1898
Портрет Н.И. Лобачевского,
Казань 1896
Памятник на могиле
В.Ф. Комиссаржевской
На Всемирной выставке в Париже в 1900г. был представлен павильон Кыштымских горных заводов, имевший огромный успех. Украшением витрины стали горельефы «Птицы Радости и Печали» (Сирин и Алконист) и «Дракон», которые были органично вплетены в чугунное кружево.  Кроме того, Диллон были заказаны два канделябра.

Мария Якунчикова
(1870-1902)
Русская художница. Уже в детстве увлеклась рисованием, для её обучения отцом был приглашен художник Мартынов. В 1882 г. её сестра Наталья вышла замуж за художника В. Д. Поленова. В 1885 году Якунчикова стала вольнослушательницей Московского училища живописи, ваяния и зодчества. В 1888 г. врачи обнаружили у Якунчиковой туберкулёз и порекомендовали сменить климат. Мария уезжает в Европу В последующие годы она живет в Париже, приезжая на лето в Россию. В 1889 г. Якунчикова поступила в парижскую Академию. В России художница работает в имениях отца и у Мамонтовых в Абрамцеве.
Репин. Портрет
Маши в детстве
Колонны в Введенcком
1894
Страх 1893-95
В 1894 Якунчикова сняла мастерскую и начала работать самостоятельно, выставляя свои произведения в парижском Салоне. Мария много и плодотворно работает, особенно увлекаясь декоративно-прикладным искусством: деревянной игрушкой, вышивкой, гобеленом, аппликацией. Активно работала в технике выжигания по дереву. Как и ее ближайшая подруга Е. Д. Поленова (сестра художника), Якунчикова собирала образцы народного искусства. Народные, «неорусские» мотивы звучат в ее панно «Городок» (1896).
В 1896 году М. Якунчикова вышла замуж за студента-медика Сорбонны Леона Вебера, а в 1898 году у них родился сын Степан. В это же время отмечается кульминация творческого развития Якунчиковой. Ее имя называли в числе имен лучших русских художников тех лет. Кроме живописи, она пробовала свои силы в майолике и графике.
Члены объединения «Мир искусства» пригласили Якунчикову участвовать в выставках и в издаваемом ими журнале. Почти полгода украшала выпуски журнала за 1899 г. созданная Якунчиковой обложка.
Цветущие яблони 1899
Кладбище
Обложка журнала)
Церковь. Черемушки
ок. Москвы 1897
Скелет за фортепиано
Портрет Левитана
Мария приняла активное участие в устройстве Кустарного отдела русского павильона Всемирной выставки 1900 г. в Париже. На этой выставке экспонировалось панно Якунчиковой «Девочка и леший», выполненное в технике вышивки и аппликации. Оно было удостоено серебряной медали выставки. Последние работы были исполнены в мастерских Абрамцева, где художница руководила их изготовлением.
После рождения второго сына здоровье художницы резко ухудшилось. Муж перевозит ее в Швейцарию, но вскоре она умирает. Наследие художницы разделено между Россией и Швейцарией. В России картины Якунчиковой хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Музее-усадьбе В. Д. Поленова. Значительная часть ее произведений находится в частных коллекциях наследников семьи Вебер в Швейцарии, в доме художницы. Долгое время имя самобытной русской художницы было забыто.

Любовь Попова
(1889-1924)
Русский и советский живописец, художник-авангардист (супрематизм, кубизм, кубофутуризм, конструктивизм), график, дизайнер. Занималась в студиях С.Ю.Жуковского (1907) и К.Ф.Юона (1908–1909) в Москве, в Париже – в студии «Палитра», в московской студии В.Е.Татлина (1913). В эти годы много путешествовала по России и Западной Европе. В начале ХХ в. было очень сильно увлечение примитивами и древнерусским искусством молодые художники как бы заново открывали свое национальное прошлое. Интерес к иконописи был свойствен всем ищущим новых путей в искусстве. Она узнала Анри Матисса. Теперь Поповой стало ясно, где следует учиться живописи - в 1912 году она поехала в Париж. Участница всех значительных авангардных выставок.
Пространственно-силовое построение
Портрет философа. 1915
Динамическое построение.
1919
Скрипка. 1915
За свою недолгую жизнь Л. Попова прошла весь путь русского авангарда - от сезаннизма, через кубизм и футуризм к супрематизму, а затем конструктивизму, и от станковой живописи к промышленному искусству; успела поработать в книжной графике и плакате, в театре и в текстильном дизайне. Ее произведениям чужд космизм. Скорее, на разных этапах творчества она искала структурный и гармонический закон устройства бытия, пытаясь повсеместно распространить найденную гармонию.
Человек, воздух, пространство
Композиция с фигурами 1914-15
"Портрет хрюшки" (1915) отличает интенсивность цветового решения, динамическая композиция полотна строится чередованием звучных плоскостей цвета и напряженными ритмами "выпуклых" линий, которые создают угловатый живописный "рельеф" на поверхности холста. Стоит обратить внимание на особенности понимания кубизма Поповой. Ее привлекал мир вещей, выявление возможностей, заключенных в самом материале, имеющих точный адрес: если она пишет натюрморт с посудой, то это "Жестяная посуда" (1913); если предметы - то "Предметы из красильни" (1914).
Расцвет яркой индивидуальности художницы пришелся на переломные военные и революционные годы с их социальными потрясениями и личными испытаниями. Замужество, рождение сына, переезд в Ростов-на-Дону, тиф и смерть мужа. Сама она с трудом перенесла брюшной и сыпной тиф и получила тяжелейший порок сердца. В ее творчестве появляются беспредметные композиции - «архитектоники». Они обладают живописной мощью, пластической монументальностью, особой ясностью и гармоничностью форм.
Портрет 1916
Живописная
архитектоника 1917
Композиция 1918
 Время после революции требовало от творческих людей активного участия в организации культурной жизни. Попова работает в Институте художественной культуры, постепенно сближается с группой конструктивистов-производственников, преподает во ВХУТЕМАСе. Художница стала оформлять книги, журналы, театральные постановки, заниматься плакатом и даже разрабатывать эскизы для тканей и моделей одежды. Творчество и жизнь художницы оборвались на высокой ноте,  когда ей было 35 лет. Она скончалась от скарлатины, вслед за пятилетним сыном.

Вера Мухина
(1889-1953)
Русский (советский) скульптор, Народный художник СССР. Родилась в Риге в купеческой семье. Провела в Феодосии детские и юношеские годы — с 1892 по 1904 гг. Здесь будущая художница получила первые уроки рисунка и живописи. Окончив гимназию и переехав в Москву, училась живописи в студиях известных пейзажистов К. Юона и И. Машкова. С 1912 по 1914 год жила в Париже, где посещала академию Гран-Шомьер, обучаясь у известного французского скульптора-монументалиста Бурделя и где  испытала воздействие кубизма. Позже путешествовала по Италии, изучая скульптуры и живопись периода Ренессанса.
М.Нестеров. Портрет Веры Мухиной
Эскиз костюма человека
со шпагой к постановке
"Ужин злых шуток". 1916
Эскизы костюмов
к спектаклю "Электра". 1944
В 1918 г. вышла замуж за военного врача Алексея Замкова.
Веяния модерна и авангарда сочетаются в графически-ритмичном дизайне мод, который Мухина разрабатывала в 1922–1923 вместе с А.А.Экстер и П.П.Ламановой. Участвовала в плане «монументальной пропаганды», создав в русле этого плана проект символического памятника «Пламя революции»(гипс, 1923) – с динамичной фигурой несущего факел юноши, окруженного вихрем полуабстрактных форм. Напротив, гармонически-массивна и непоколебимо спокойна ее «Крестьянка» (бронза, 1927). Выступала и как мастер героического портрета (портрет арх. С.А.Замкова, мрамор, 1934–1935).
В 1935–1937 по ее эскизам создается монумент, ставший символом советского государства, – гигантская группа «Рабочий и колхозница», постаментом которой стал советский павильон на Всемирной выставке в Париже. Позднее, в 1939 г. монумент был установлен близ северного входа на Всесоюзную сельскохозяйственную выставку. С 1947 года скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм».
Среди других значительных работ художницы – декоративная группа «Хлеб» (бронза, 1939), памятники Максиму Горькому в Нижнем Новгороде (1938–1939) и Москве (1951, в соавторстве, Сталинская премия 1952), остродраматический, чуждый всякой парадности портрет полковника Б.А.Юсупова (гипс, 1942, Третьяковская галерея), памятник П.И.Чайковскому в Москве (1953) и др.
В 1938–1953 увлекалась стеклопластикой (фигуры, декоративной посуда), вновь проявив талант дизайнера-экспериментатора. Иные же из ее послевоенных работ не выходили за рамки усредненных стереотипов «стиля триумф» (исполненная бригадным методом, вместе с другими соавторами группа «Мы требуем мира!», бронза, 1950, установленная на планетарии в Волгограде; Сталинская премия 1951). Многие проекты Мухиной остались неосуществленными, в том числе памятник Я. Свердлову и Ленину, памятник челюскинцам.
Борей 1938
Галина Уланова 1941
Партизанка 1942
Стеклопластика и посуда


Презентация на тему: Забавы с карандашом Эндрю Лумиса


title: Презентация на тему: Взаимосвязь двух видов искусств

text:
Взаимосвязь двух видов искусств.
Цели урока:
1. Найти сходства и различия двух видов искусств;
2. Выявить взаимосвязь музыки и литературы

1 чудо

2 чудо
Характеристика звучания

3 чудо

Песенка Незнайки
Кто сказал такую бяку,
Не читал Незнайка книг!
Это враки, просто враки!
Заявляю напрямик.

Я читаю без запинки
Десять тысяч книжек в год
От картинки до картинки,
А потом наоборот.
Со страниц мелькают лица,
Я читаю все подряд.
Две страницы про жар-птицу,
Три страницы про зверят.

Я вперед быстрее звука
над страницами лечу.
Прочитал вчера про  Чука,
Завтра Гека изучу.

А про дедушку Мазая,
Я запомнил  с детских лет.
Он   в трамваи залезая
Забывал купить билет.

Швейк с Атосом - два шпиона,
Поднимали якоря.
Разводили шампиньоны
Тридцать три богатыря.

Бармалей поймал дельфина,
Гекльберри был слугой,
А курносый буратино
Дружит с бабою Ягой

Я читаю без запинки
Десять тысяч книжек в год
От картинки до картинки,
А потом наоборот.

Сегодня на уроке мне было интересно
Я понял…
Я узнал…
Я не понял...
У меня получилось
У меня не получилось
Я  (не) доволен своим результатом на уроке
Мне понравилось
Мне не понравилось
Я ухожу с урока с _________ настроением

Молодцы!

Спасибо
за урок!


Презентация на тему: Зачем людям украшения 5 класс


title: Презентация на тему: Зачем нам изучать МХК?

text:
1
2
3
4
5
6
7
9
10
8


title: Презентация на тему: Загадка по имени Мона Лиза

text:
Загадка по имени Мона Лиза
Цели и Задача:
Образовательная.  Дети должны научиться анализировать средства выразительности художественного произведения, в данном случае обратить внимание на цветовую гамму картины, образ Моны Лизы, технические средства.
Воспитательная. формирование эстетического вкуса у детей.
Развивающая. Развитие творческого воображения.
Задача:
заинтересовать учеников творчеством художников Эпохи Возрождения, в частности Леонардо Да Винчи.
«Мо́на Ли́за» — портрет молодой женщины, написанный итальянским художником Леонардо да Винчи около 1503 года. Картина является одним из самых известных произведений живописи в мире. Относится к эпохе Возрождения. Выставлена в Лувре (Париж, Франция).
Полное название картины итал.Ritratto di Monna Lisa del Giocondo — Портрет госпожи Лизы Джокондо.
Кратко о главном
О натурщице
Личность, изображённую на портрете, сложно идентифицировать. До сегодняшнего дня по этому поводу было высказано много спорных и, подчас, абсурдных мнений:
Жена флорентийского торговца дель Джокондо
Екатерина Сфорца
Изабелла д’Эсте
Просто идеальная женщина
Молодой юноша в женском одеянии
Автопортрет Леонардо
Загадка, по сей день окружающая незнакомку, притягивает в Лувр ежегодно миллионы посетителей.
Неоднозначная натура
«Мона Лиза», на создание которой он потратил много лет, стала красивым, но в то же время недосягаемым и бесчувственным образом. Она одновременно кажется сладострастной и холодной. Несмотря на то, что взгляд Джоконды направлен на нас, между нами и ею создан визуальный барьер — ручка стула, действующая как перегородка.
О лице
Тем не менее, наш взгляд постоянно возвращается к её освещённому лицу, окружённому, как рамкой, тёмными, скрытыми под прозрачной фатой волосами, тенями на шее и тёмным дымчатым пейзажем заднего плана.
Недосягаемость
На фоне отдалённых гор фигура производит впечатление монументальной, хотя формат картины невелик (77х53 см). Эта монументальность, присущая возвышенным, божественным существам, держит нас, простых смертных, на почтительном расстоянии и одновременно заставляет нас безуспешно стремиться к недосягаемому.
Детективная история «Моны Лизы»
С начала XVI столетия картина, приобретённая Франциском I после смерти Леонардо, оставалась в королевской коллекции. С 1793 была помещена в Центральном Музее Искусств в Лувре. 21 августа 1911 года картина была похищена работником Лувра. Цель этого похищения не выяснена однозначно. Картину нашли только спустя два года в Италии. Причём виной тому был сам вор, отозвавшийся на объявление в газете и предложивший продать «Джоконду». Предполагается, что он собирался сделать копии и выдавать за оригинал. В конце концов, 1 января 1914 года картина вернулась во Францию.
Вопросы и задания:
В какую эпоху была создана картина Леонардо Да Винчи «Мона Лиза»?
Где хранится картина?
Полное название картины Леонардо да Винчи
Проанализировать разные версии  о том, кого изобразил Леонардо Да Винчи, и высказать аргументированное мнение
Подготовить материал о Леонардо Да Винчи и его творчестве, используя различные источники. Доклад представить с компьютерной презентацией.


Презентация на тему: Загадки и тайны «светящихся картин» А.И. Куинджи


title: Презентация на тему: Высокое Возрождение. Идеи гуманизма в литературе и искусстве

text:
   Идеи гуманизма в литературе и искусстве
Высокое                      Возрождение.
Возрождение, или Ренессанс  — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени.
Чупров Л.А. МКОУ СОШ №3 с. Камень-Рыболов Ханкайского района Приморского края
Эпоха Возрождения(середина XIV – середина XVII вв.)
Проторенессанс (предвозрождение)
   (XIII – начало XV в.)
Позднее Возрождение
 (вторая половина XVI в.)
Высокое       Возрождение
(конец XV –начало XVI вв.)
Родина -Италия
Особенности этого времени:
обмирщение сознания человека (он не думает о божественном, его мысли о земной, мирской жизни);
человек сильный, прекрасный деятельный, умеет ценить время;
Высоко ценится образованность
 Сторонники не божественного, церковного,а светского, человеческого взгляда на окружающий мир называли себя гуманистами
Гуманисты начали рассматривать человека иначе, приподняли  роль его самого, и роль его ума,  творческих  способностей.
Понятие «гуманизм» было введено в употребление учеными XIX века.
Оно происходит от латинского humanitas (человеческая природа, духовная культура) и humanus (человеческий), и обозначает идеологию, направленную к человеку.
Книга «Речь о достоинстве человека»: бог, сотворив человека сказал ему: «Я ставлю тебя в центре мира, чтобы оттуда тебе было удобно обозревать все, что есть в мире»

Развитие гуманизма начинается
   в XIV в., в творчестве гуманистов, как великих, так и малоизвестных: Данте, Боккаччо, Петрарки, Пико делла Мирандола и др.
В XV веке (1459) во Флоренции возрождается Платоновская академия в Кареджи
Э. Роттердамский
Т. Мор
У. Шекспир
Ф. Рабле
Эразм Роттердамский (1469 - 1536)
С. Цвейг, писатель, биограф гуманиста, назвал гуманиста «славой и светочем своего времени».
Ученый знал латынь, комментировал сочинения древних христианских писателей; составил сборник греческих и латинских поговорок.
Давая частные уроки, составил наставления для своих учеников.
Сборник опубликован под названием «Разговоры запросто»:
легкий, изящный слог, популярный, много раз переиздавался
в разных странах.
Томас Мор (1478 - 1535).
Английский мыслитель, писатель.
Святой католической церкви.
УЧИЛСЯ в Оксфордском университете, знал несколько языков. Увлекался историей, философией, литературой.
В начале XVI в. написал и опубликовал
«Золотую книгу, столь же полезную, как и приятную, о найлучшем устройстве
государства и о новом острове Утопия».
Описал идеальное государство, в котором все равны, нет бедных и богатых,
есть коллективная собственность,
жители не завидуют друг другу
Франсуа Рабле
(1494-1553)
Французский писатель, один из величайших европейских сатириков-гуманистов эпохи Ренессанса, автор романа «Гаргантюа и Пантагрюэль»
 Герои книги –мудрые короли- великаны. Зло в его произведении побеждалось только сказочной силой.
   Роман возрождал традиции народных представлений
Внешняя форма их — мифологически аллегорическая, бывшая в духе того времени и составляющая здесь только рамку, которую автор находил наиболее удобной для выражения своих заветных
 мыслей и чувств
Трапеза Гаргантюа.
Иллюстрация Гюстава Доре.
Юный Гаргантюа изучает глобус.
 Иллюстрация Гюстава Доре.
Уильям Шекспир
(1564 -1616)
английский  драматург и поэт, один из самых знаменитых драматургов мира, автор по крайней мере 17 комедий, 10 хроник, 11 трагедий, 5 поэм и цикла из 154 сонетов.Произведения:«Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Король Лир»
Мигель де Сервантес Сааведра
(1547 - 1616)
известен как автор одного из величайших произведений мировой литературы — романа «Дон Кихот».
«Дон Кихот» был задуман как пародия на средневековые рыцарские романы
Музыкальное
искусство
В эпоху Возрождения профессиональная музыка испытывает сильное
влияние народной музыки. Появляются различные жанры музыкального
 искусства:
баллада
опера
сольная песня
Одним из наиболее знаменитых композиторов
эпохи Возрождения был Дюфаи, его музыку исполняли повсеместно.
Светская музыкальная культура
Создавались музыкальные
кружки;
правила хорошего тона предписывали уметь играть на музыкальных инструментах;
ценилось искусство сочинять и петь мадригалы – лирические вокальные произведения;
предшественники оперы;
музыка  Возрождения вышла из узких рамок церковных правил.
В раннее новое время искусство:
освободилось от запретов
 и ограничений
вышло из религиозного заточения и обратилось к свету, радостям земного бытия.
Центром внимания в искусстве стал человек.
http://visaginart.nm.ru/ART/voz.htm
http://www.liveinternet.ru/journalshowcomments.php?jpostid=191514250&journalid=2010239&go=prev&categ=0
http://www.liveinternet.ru/tags/%E3%E8%EB%E1%E5%F0%F2+%F1%F2%FE%E0%F0%F2/
http://www.krugosvet.ru/enc/gumanitarnye_nauki/filosofiya/PIKO_DELLA_MIRANDOLA_DZHOVANNI.html
http://vk.com/photo-37347076_285962935
http://www.hrono.ru/biograf/bio_sh/shakespear.php
http://prikol.bigmir.net/view/177552/
http://trans-m-radio.com/history/dyufai-v-istorii-muzyki
http://intoclassics.net/search/lute/
http://theoryandpractice.ru/seminars/24154-muzyka-epokhi-vozrozhdeniya-28-1